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Capturar reflejos de demostración en acuarela transparente

Capturar reflejos de demostración en acuarela transparente


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Conocida por sus pinturas de naturaleza muerta altamente realistas, Lana Privatera utiliza capas de acuarela transparente para lograr su aspecto característico. Para obtener más información sobre el enfoque de Privatera a la acuarela, junto con su audaz regreso a la pintura después de 10 años después de un revés que cambia la vida, consulte el perfil de la función en la edición de julio / agosto de 2020 de Artista de la acuarela.

Demo de Reciclar por Lana Privitera

Pintar intrincados reflejos con acuarelas no es fácil. Necesita planificar sus capas y movimientos con mucho cuidado. Cuanto más grande sea su pintura, más difícil será hacer transiciones suaves y limpias de color y valor. Lo siguiente es un desglose de mi proceso.

Paso 1

Cuando planifico una nueva pintura, me tomo un tiempo para estudiar mis fotos de referencia. Raramente son perfectos cuando se trata de composición, colores o valores. La mayoría de las veces necesito agregar o restar elementos de ellos. En este caso, sentí que la foto de referencia necesitaba algunos elementos diagonales. Así que agregué la cuchara de la esquina superior izquierda con la pegatina naranja, así como la cuchara más pequeña con la pegatina verde en el área inferior. Luego silencié el color de algunas de las otras pegatinas y eliminé otras.

Una vez que estuve seguro de que mi composición revisada funcionó bien, hice un boceto a mano alzada en papel semitransparente. Luego lo rastreé en mis Arches de 140 libras. papel prensado en frío. Utilicé mezclas de azul cobalto Da Vinci, siena quemada profunda y rosa permanente Winsor Newton para crear varios tonos de gris. Y agregué Winsor Newton siena cruda para las áreas doradas, y rosa permanente y azul Winsor, solos y combinados, para los acentos.

Paso 2

Esta pintura tiene un diseño muy complejo. En consecuencia, comencé a colocar mis sombras de inmediato para ayudar a identificar claramente las formas. Esto también me ayudó a juzgar cuán oscuros debían ser mis valores de luz y valores medios. Mi paleta consistía en mezclas húmedo sobre húmedo de azul cobalto, siena quemada profunda y rosa permanente, y aplicaciones húmedo sobre húmedo de siena cruda y siena quemada profunda.

Paso 3

Ahora es el momento de decidir qué formas clave tendrán colores más fríos o más cálidos. Para crear contraste y agregar variedad a la composición, utilicé las mismas mezclas de colores que en el paso anterior. Sin embargo, esta vez agregué menos siena quemada en la mezcla para los utensilios plateados.

Paso 4

Continué pintando más formas de utensilios, pero no las completé en esta etapa. Es más fácil cambiar una forma o color en una etapa posterior si los valores siguen siendo claros.

Paso 5

Una vez que las formas de los utensilios se hicieron más distintivas, fue obvio qué formas en mi foto de referencia eran innecesarias. Eliminarlos fue fácil: el desafío sería llenar esas áreas con objetos nuevos y de aspecto realista. Decidí dejar estas áreas problemáticas en paz y esperar hasta que la pintura estuviera casi completa para resolverlas. Continuando, apliqué una primera capa de pintura áspera, pero colorida, a la mayoría de las cucharas usando azul cobalto, azul Winsor, rosa permanente, siena cruda y siena quemada profunda.

Paso 6

Evito todos los colores opacos para mantener mis capas lo más transparentes posible. Para ayudar a mantener la armonía, continué trabajando con las mismas mezclas húmedo sobre húmedo de azul cobalto, siena quemada profunda, siena cruda y rosa permanente. Para variar, introduje algunos interesantes marrones verdosos apagados, creados con el verde de Sennelier Hooker y la siena quemada Da Vinci. Los detalles en azul claro son azul Winsor.

Paso 7

Ahora trato de visualizar claramente qué formas y colores se necesitan en los espacios vacíos restantes. Así que completo los diseños decorativos en los utensilios y profundizo los valores en toda la composición. Utilizo una mezcla oscura de azul ultramar y siena quemada profunda, aplicada en capas delgadas, para crear las grietas y los diseños en los utensilios.

Paso 8

Comparo mi foto de referencia y una foto de mi pintura una al lado de la otra en la pantalla de mi computadora para evaluar el rango de valor general y detectar cualquier inconsistencia. Luego completo la mayor parte de la mitad superior de la pintura aplicando una gama completa de valores. A continuación, trabajo hacia abajo, centrándome en el trabajo de detalle en el área inferior. Después de eso, fue más fácil descubrir qué formas necesitaban agregarse en los espacios vacíos.

Paso 9

Finalmente, es hora de guardar la foto de referencia y comenzar a inventar, modificar y exagerar colores, sombras y reflejos. Termino de agregar formas en los espacios vacíos, luego me tomo un tiempo para evaluar mi trabajo. Me doy cuenta de que se necesitaban puntos destacados aquí y allá. Además, necesitaba sombras donde algunos utensilios se superponían entre sí, a pesar de que esas sombras no aparecían en mi foto. Era obvio que muchos de los bordes debían suavizarse. Además, algunos rasguños en las cucharas los harían parecer más realistas.

Decido que los utensilios de aspecto azulado no están armonizando con el resto de las formas. Así que aplico un poco de siena cruda en algunos de ellos para darles un brillo dorado. Luego dejé mi pintura a un lado durante varios días para poder volver a ella con un ojo fresco. Eso siempre me ayuda a ser más objetivo con respecto a una pintura y me permite ver cómo mejorarla.

Paso 10

Después de unos días lejos de la pintura, le eché otro vistazo y escribí una lista de Must-Fix. Siguiendo mi lista, profundizo las sombras, suavizo los reflejos y agrego más reflejos y colores en todas partes. Refino la mayoría de los bordes para darles una apariencia menos dura y darles a los patrones decorativos un valor muy necesario. Finalmente, armonizo aún más la pintura agregando reflejos dorados adicionales en algunos puntos estratégicos para completarla.

Sobre el artista

Lana Privitera es miembro de la Sociedad Nacional de Acuarelas, la Sociedad de Acuarela del Nordeste, la Sociedad de Acuarelas de Filadelfia y la Sociedad de Acuarelas del Centro de Nueva York. También es miembro de la American Artist Professional League y miembro electo de Audubon Artists, Inc. Es instructora de arte en la Escuela de Arte de Wallkill River en Montgomery, Nueva York, y también realiza talleres realistas de acuarela en los Estados Unidos e internacionalmente. .


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