Perfiles de artistas

El arte de Daniel E. Greene: maestro del realismo figurativo

El arte de Daniel E. Greene: maestro del realismo figurativo


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

En una carrera que abarca siete décadas, Daniel E. Greene pasó su tiempo exactamente donde siempre quiso estar: en el caballete.

El equipo de la Red se entristeció al enterarse de que Daniel E. Greene, maestro pastelista y miembro del Salón de la Fama de Pastel Society of America, falleció recientemente de insuficiencia cardíaca congestiva. También fue maestro y mentor de numerosos artistas, y un amigo de nuestra propia familia de la Red, sirvió en nuestros consejos de asesoría editorial y contribuyó muchas veces para presentar historias enRevista de artistasyPastel Journal. Además, fue coautor de la monografía,Daniel E. Greene Studios y subterráneos, con Maureen Bloomfield, crítica de arte y editora de mucho tiempo deRevista de artistas, para North Light Books en 2017. Las pinturas al óleo y los pasteles de Greene se pueden encontrar en más de 700 colecciones públicas y privadas en los Estados Unidos y en el extranjero.

Se pueden hacer donaciones conmemorativas, en nombre de Daniel Greene, a la organización sin fines de lucro Artists 'Fellowship, Inc., que ofrece apoyo financiero a artistas en momentos de necesidad. Debido al nuevo coronavirus, la organización ha recibido una avalancha de solicitudes de ayuda de artistas que han sufrido pérdidas debido al virus.

La carrera de siete décadas de Greene se destacó en un artículo escrito por la editora Anne Hevener en la edición de octubre de 2015 dePastel Journal. Dedicamos el artículo, republicado aquí, a su memoria.


Una vida en imágenes

Después de haber trabajado como pintor profesional durante 65 años, no sorprende que el artista Daniel E. Greene haya acumulado una gran cantidad de historias interesantes. Parecía especialmente apropiado, ya que marcamos nuestro número 100 de la revista, visitar a un pintor que se ha comprometido con el medio pastel desde que se cortó los dientes en el retrato como artista callejero en la década de 1950 en Miami. Aunque Greene también ha trabajado mucho en el petróleo (la mayoría de sus retratos encargados se realizan en ese medio), en su trabajo personal siempre se ha movido de un lado a otro entre los dos. Y sus pasteles, grandes, formales, conceptualmente y técnicamente deslumbrantes, demostraron hace años que el medio es tan adecuado como los aceites para crear un trabajo serio y realizado.

Hablé con el artista en abril pasado, justo después de su última exposición individual en Gallery Henoch en la ciudad de Nueva York. Le pregunté sobre las experiencias, elecciones, logros y pinturas específicas que han moldeado su vida en el arte.

1950-1960: un sueño imaginado

Confiado desde temprana edad de que quería ser un artista profesional, Greene dejó su ciudad natal de Cincinnati en 1952, a la edad de 18 años. Fue a Miami, donde su madre vivía en ese momento. Su objetivo era conseguir un trabajo y ahorrar suficiente dinero para ir a la escuela de arte. "Obtuve varios trabajos malos allí", dice, "instalando fundas de asientos en automóviles, por ejemplo". Cuando descubrió que los artistas creaban retratos en colores pastel alrededor de los hoteles del resort y las tiendas de la ajetreada Collins Avenue, centrada en el turismo, supo que eso era lo que quería hacer. "Me intrigó verlos", dice Greene. "Y se me ocurrió que si pudiera conseguir un trabajo haciendo eso, sería una excelente manera de aprender y participar en la pintura".

Aunque lo rechazaron varias veces, la perseverancia de Greene valió la pena. Cuando uno de los artistas se fue, el novato de 18 años fue contratado para ocupar su lugar. En poco tiempo, Greene estaba produciendo, en promedio, siete retratos de 20 x 16 pulgadas por día. "Empecé a estar ocupado y comencé a mejorar", dice.

Centro del mundo del arte

Pronto el artista había ahorrado suficiente dinero para mudarse a la ciudad de Nueva York. Se matriculó en la Art Students League y comenzó a estudiar con el artista Robert Brackman. “Ahí es donde aprendí sobre la importancia del valor, el color y el dibujo: cómo construir una pintura. Fue una revelación ”, dice Greene.

Si bien fue un momento emocionante, también fue un desafío. Al no poder darse el lujo de tomar clases de manera regular, el joven artista solicitó becas y realizó trabajos ocasionales, en ventas de zapatos y trabajos de fábrica, y continuó yendo a la escuela siempre que pudo. Finalmente, comenzó a exhibir y comenzó a ganar premios.

Viviendo en talento

En 1963 y 1964, Greene ganó importantes subvenciones para artistas emergentes de la Fundación John F. y Anna Lee Stacey y la Fundación Elizabeth Greenshields. "Ya no tenía que trabajar en trabajos ocasionales para ganarme la vida", dice. "Podría mantenerme como pintor".

El artista se mudó a un estudio en Greenwich Village, donde el bar de su vecindario, Cedar Tavern, era el lugar de reunión favorito de los artistas Jackson Pollock, Willem de Kooning, Mark Rothko y otros. Estos expresionistas abstractos pusieron a la ciudad de Nueva York en el mapa mundial del arte. En medio de este ambiente emocionante, Greene se dio cuenta de que se enfrentaba a una elección. "Mi dilema era si capitular o no y hacer lo que creía que era menos desafiante pero un trabajo más oportuno, en abstracto, o continuar tratando de aprender pintura clásica". Finalmente, decidió seguir sus instintos y continuar en su propio camino.

La serie de pinturas que surgieron de este período de tiempo, retratos de personas que conoció en su vecindario, demostraron esta interesante dicotomía: una subcultura hippie no tradicional (verChica con gafas azules, arriba) retratado en la venerable tradición del realismo figurativo.

1970-1980: forjando una visión personal

En 1969, Greene comenzó a enseñar en la Academia Nacional de Diseño y continuó allí durante cinco años. En 1974, comenzó como instructor en la Art Students League, y finalmente se hizo cargo de las clases de Brackman. "A veces tenía hasta 75 estudiantes en una clase y solo dos modelos", dice Greene. "Era una situación imposible, pero comenzó una larga carrera de enseñanza".

El artista comenzó a pintar a muchos de sus estudiantes durante este tiempo. Algunos de ellos eran modelos para una nueva serie de trabajo que había comenzado de personas volando cometas. El artista se había mudado a un estudio en la calle 67, a media cuadra de Central Park, un lugar favorito para los voladores de cometas. "Fue una oportunidad para combinar figuras con estos artículos decorativos muy coloridos", explica Greene.

También fue una serie en la que el artista introdujo por primera vez un borde decorativo dentro de la imagen.Bill con cometa (arriba) incorpora un borde de papel crepé, que recoge un material que a menudo se usa como cola de cometa. "La idea de las fronteras era algo que me gustaba en la pintura flamenca de los siglos XIV y XV", dice Greene. "Estos fueron intentos de forjar mi propia identidad personal en mis pinturas, utilizando elementos que me gustaron de la historia del arte".

Los pasteles eran grandes, pintados en masonita, que el artista preparó con una base especial que contenía cristales de cuarzo. "Comencé a trabajar más grande", dice Greene, "cuando descubrí cómo hacer mis propias superficies. Experimenté con diferentes formas de hacer que un material abrasivo y arenoso se adhiera a un respaldo rígido ".

El poder del realismo figurativo

Greene también pintó una gran cantidad de retratos por encargo durante estos años, a través de una afiliación con Portraits, Inc. Sus clientes a lo largo de los años incluyeron personas altamente exitosas: senadores y gobernadores, directores generales, compositores, directores, autores y artistas. Como pintó desde la vida, el artista viajó mucho. "Este tipo de trabajo fue una forma extraordinaria de aprender y practicar", dice. “Y me pagaban por eso. Amplió mi oportunidad de viajar y conocer gente interesante, y practicar la pintura. Pude probar cosas nuevas mientras trabajaba, mientras hacía lo que los artistas han estado haciendo durante siglos: pintar retratos ”.

La mayoría de estas comisiones se solicitaron en petróleo. Sin embargo, Greene continuó haciendo retratos en colores pastel, incluido un retrato de Robert Beverly Hale (arriba). Esta es una pintura seminal para el artista, considerada por muchos como su mayor obra.

Década de 1990: hoy: posibilidades infinitas

Con los años, Greene ha encontrado algunos temas persistentemente cautivadores y dignos de una exploración continua. Se ha enamorado de todo, desde los llamativos patrones de los juegos de carnaval (Tablero verde con globos y dardos, arriba) al gran drama de las subastas de bellas artes. Pero su serie inspirada en las estaciones de metro de la ciudad de Nueva York ha sido la más prolífica; hasta la fecha, incluye 117 pinturas.

Su inspiración inicial para la serie se originó en sus días de estudiante cuando viajaba regularmente en metro a la escuela. "Recuerdo haber visto a un grupo de personas sentadas en un banco debajo de uno de los mosaicos, y pensando que sería una buena pintura", dice. Años más tarde, decidió actuar sobre ese impulso anterior y comenzó a producir pinturas, en colores pastel y al óleo, de un hermoso mundo subterráneo. Aunque comenzó con un enfoque casi de naturaleza muerta en los mosaicos de las estaciones de metro, en última instancia, el artista tocó casi todos los géneros de pintura que hay, desde composiciones figurativas y retratos, hasta trabajos de paisajismo, comoTúnel de la calle 96 (abajo).

Posibilidades infinitas

Greene no siempre sabe que se está embarcando en una serie importante al comienzo de una pintura. "Es mientras pinto o cuando estoy empezando que me doy cuenta de que hay muchas maneras de abordar el tema". Al establecer una naturaleza muerta, por ejemplo, puede tomar horas en el arreglo. Y luego comienza a mirarlo desde diferentes ángulos. "Ciertos temas son tan intrínsecamente interesantes y susceptibles a los cambios en la iluminación y la composición que las posibilidades parecen casi infinitas", dice.

Aunque el virtuosismo técnico de Greene ha sido evidente desde sus primeros días, uno percibe un movimiento constante hacia un trabajo cada vez más atractivo e inventivo. Greene atribuye esto a un esfuerzo deliberado para continuar progresando. "Cuando comencé, gran parte de mi trabajo era clásico, comparable a las cosas que se han hecho antes", dice. “En cierto momento, al tratar de deshacerme de las deficiencias en mi trabajo para poder seguir mejorando y mejorando, concluí que sabía, técnicamente, cómo pintar. La debilidad que percibí estaba en la concepción. Entonces, comencé a desarrollar ideas que eran más originales. Probé combinaciones e ideas que sabía que eran singulares ”. En consecuencia, Greene aconseja a los artistas que permanezcan abiertos a la exploración. “Si lo haces, tu pintura se vuelve y sigue siendo más interesante. Y es de esperar que el trabajo sea más interesante para que la gente también lo vea ".

Haciendo el trabajo de tu vida

El filósofo del siglo XIX Henry David Thoreau dijo: "Ve con confianza en la dirección de tus sueños. Vive la vida que has imaginado." Greene es alguien que ha podido hacer eso. Al principio se dio cuenta del propósito de su vida, estableció metas y nunca dudó. "Simplemente trabajo todo el tiempo", dice. "He sido extraordinariamente afortunado de ganarme la vida haciendo lo que sé que se supone que debo hacer".

Aunque ha estado reduciendo la cantidad de enseñanza que está dando, Greene dice que no se jubilará. "No puedo soportar no pintar".


Anne Hevener es Editora en Jefe dePastel Journal, Artista de la acuarela y Revista de artistas. Ella vive en la ciudad natal de Daniel Greene, Cincinnati, Ohio.


Ver el vídeo: Daniel Greene demo for the Ohms law. NEJATC 8-1-2013 (Junio 2022).