Historia del Arte

El color de la música

El color de la música

Cuatro pintores famosos utilizaron los principios de la música para avanzar en la composición y el color.

Cualquier buen artista que también sea músico atestiguará que los mundos de la pintura y la música comparten una gran cantidad de puntos en común. Dos dialectos de un idioma, estas formas de arte separadas han influido durante mucho tiempo y se han prestado entre sí, y sus terminologías intercambiables (composición, color, escala cromática, tonalidad y ritmo, por nombrar algunas) revelan cuán familiar es su conexión.

Sin embargo, más allá de los términos relacionados con la teoría, el arte visual y la música también comparten la capacidad de transmitir el estado de ánimo, el movimiento y la emoción, lo que provoca una fuerte respuesta visceral del espectador. Lo que es más, así como los músicos y los vocalistas saben cuándo están afinados, también pueden sentir los artistas visuales cuando tocan un "acorde" armonioso, y la composición y el color cantan.

JEAN-AUGUSTE-DOMINIQUE INGRES

Varios pintores a lo largo de la historia, especialmente aquellos que ayudaron a dar forma al modernismo, fueron fuertemente influenciados por la música y la musicalidad. Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867), un neoclasicista francés cuyas frecuentes rupturas con la tradición y la exageración de las formas inspiraron más tarde a personajes como Pablo Picasso y Henri Matisse, también tocó el segundo violín en la Orchestre du Capitole de Toulouse cuando era estudiante.

A lo largo de su carrera, el conocimiento evolutivo del artista sobre la estructura musical informó en gran medida su desarrollo y teorías como dibujante, pintor y maestro. Sus conversaciones y colaboraciones con los compositores Charles Gounod (1818-1893) y Franz Liszt (1811-1886) fueron especialmente influyentes, e Ingres era conocido por hacer frecuentes analogías con la música mientras enseñaba en la Academia Francesa de Roma y en la École des Beaux-Arts en París.

"Si pudiera hacer de ustedes músicos, se beneficiarían como pintores", dijo a sus alumnos. “Todo en la naturaleza es armonía; un poco demasiado, o muy poco, perturba la escala y hace una nota falsa. ... La corrección de las formas es como la corrección de los sonidos ".

JAMES MCNEILL WHISTLER

James McNeill Whistler (1834–1903) no era ajeno a la sinergia entre arte y música. A mediados de la década de 1860, comenzó a titular sus pinturas con términos musicales como sinfonía, arreglo y nocturno, haciendo referencia a la correlación entre las variaciones en el tono musical y las variaciones en el valor del color.

A diferencia de Ingres, que enfatizó la armonía de la naturaleza, Whistler ofreció una alternativa al naturalismo. Fue pionero en una técnica de composición basada en las posibilidades de la pintura misma y las cualidades abstractas del plano de la imagen.

Él ilustró estos y otros puntos usando metáforas musicales en su famosa conferencia Ten O’Clock, cuyos principios fueron fundamentales para los próximos movimientos postimpresionistas y abstractos. "La naturaleza contiene los elementos, en color y forma, de todas las imágenes, ya que el teclado contiene las notas de toda la música", dijo Whistler. “Pero el artista nace para escoger y elegir, y agrupa con ciencia (conocimiento), estos elementos, para que el resultado pueda ser hermoso, ya que el músico reúne sus notas y forma sus acordes, hasta que sale del caos gloriosa armonía. "

Si Ingres tenía a Liszt y Gounod como hermanos en la composición, Whistler tenía el respeto de Claude Debussy (1862-1918), como se reveló cuando Debussy debutó en su composición orquestal de 1899. Nocturnos, inspirado en las pinturas posteriores de Whistler.

WASSILY KANDINSKY

Cuando llegó el modernismo temprano y la teoría del color de vanguardia, la música estaba haciendo más que simplemente informar a la pintura. Wassily Kandinsky (1866–1944) y Paul Klee (1879–1940), en particular, estuvieron tan influenciados por la música que uno podría llamarlos compositores que usaron el color para crear su música en lugar de pintores inspirados en la musicalidad.

Kandinsky creía que la pintura abstracta era la mejor manera de replicar el poder melódico, espiritual y poético que se encuentra en la música. Pasó su carrera aplicando los principios sinfónicos de la música a la disposición de notas de color y acordes.

Se inspiró particularmente en el Sincromismo, un movimiento basado en la idea de que el color y el sonido son fenómenos similares, y el compositor Arnold Schoenberg (1874-1951), con quien se hizo amigo y colaboró ​​para asignar colores a ciertas notas musicales. En su publicación de 1911 Sobre lo espiritual en el arte, Kandinsky declaró que "la música es el maestro supremo", y expuso más sobre las ideas de sinestesia, la fusión de dos sentidos, en este caso, el sonido y la vista.

Paul Klee

Si Whistler dio un giro notable al naturalismo basado en las improvisaciones de la música, y si Kandinsky trabajó fuera de la estructura del sonido para crear vibraciones y frecuencias visuales similares, Paul Klee (como Ingres, un violinista experto) dio un paso más en su desarrollo de dos grandes teorías del color: el Canon de la totalidad del color y la pintura polifónica (muchas voces).

Klee consideró a compositores del siglo XVIII como Mozart y Bach como el pináculo de los logros musicales. Sintió que los compositores de su tiempo, Bruckner, Wagner y, en particular, Strauss, solo parecían más expresivos en la superficie, pero en realidad estaban encadenados a la melodía y al compás de su propia música.

Esta afirmación se convirtió en el punto de partida de su misión a lo largo de su carrera para deconstruir la música de la Edad de Oro y aplicarla a la pintura, dando así a los artistas un mayor poder expresivo. Su teoría sobre el color de la tonalidad, desarrollada mientras enseñaba en la Bauhaus, examinó la relación y el movimiento entre colores, como el movimiento circular entre colores primarios y secundarios.

Sus pinturas que ejemplificaban su teoría polifónica observaban cómo cambiaba el sonido de una pintura en función del número de elementos y dispositivos estilísticos empleados. En sus teorías, Klee afirmó que el ritmo marca el movimiento del tiempo tanto en la música como en el arte.

"Continuamente estoy tomando conciencia de los paralelos entre la música y las bellas artes", escribió Klee. “Es cierto que ambas formas de arte están definidas por el tiempo. Eso se puede probar fácilmente ".

Mostrando tu propio ritmo

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Artículo escrito por Allison Malafronte y apareció por primera vez en la revista Artists.


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