La vida del artista

Un momento con Thomas Schaller

Un momento con Thomas Schaller

Conoce al maestro de la acuarela americana - Thomas Schaller

Disfruta de esta entrevista exclusiva con el maestro de la acuarela estadounidense, Thomas Schaller, a continuación para obtener más información sobre sus pinturas, inspiraciones, procesos y más.

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¿Cómo te interesaste en la acuarela?

Al crecer en la zona rural de Ohio, mi única exposición al mundo en general, y al arte en particular, fue a través de los libros. Mi madre y mi abuela tenían una gran colección de libros de arte. Cuando era niño, los miraba interminablemente; perdiéndose en las historias, visiones e imaginaciones de los artistas en esas páginas.

Siempre me encantó dibujar, perderme en mundos imaginarios de mi propia creación, mucho más allá de lo que veía como mi propio mundo bastante limitado. Y así, la vida de un artista me pareció la mejor posible. Y eso se convirtió en el trampolín para todos mis sueños. Mi lógica era que si nunca llegaba a ver todos los lugares maravillosos con los que soñaba, al menos podría dibujar y pintar los míos, y tal vez incluso mejores, allí mismo, en mi cuaderno de bocetos.

Y así fue en este estado de ánimo que la naturaleza soñadora y fluida de muchas de las acuarelas que vi en esos primeros días se hizo tan especialmente resonante. El trabajo juguetón y poderosamente imaginativo de John Marin y Charles Burchfield realmente dio en el blanco. Y la clara claridad y la honesta emotividad de las acuarelas de Edward Hopper me sorprenden incluso ahora, muchos años después.

¿Quiénes fueron los artistas de la acuarela que te inspiraron?

Además de los mencionados anteriormente, recuerdo que me sorprendió aproximadamente a los 10 años de edad, por las imágenes de una serie de paisajes marinos de acuarela de Turner. Era demasiado joven para entenderlo realmente, pero algo en la luminosidad de otro mundo y la agitación emocional en esas obras inspiradas me atrajo.

Fue la falta de detalles, la falta de "respuestas" proporcionadas, lo que me conmovió mucho más que los paisajes marinos altamente específicos o articulados creados por otros. Turner parece casi desafiar al espectador a resolver un rompecabezas o desentrañar un misterio en sus obras.

El medio de la acuarela parecía ideal para este tipo de narración llena de luz, atmosférica y emocionalmente cargada. Y todavía lo hace.

Se ha referido a su trabajo como "realismo interpretado". ¿Puedes explicar eso?

Siempre estoy aconsejando a mis grupos (y a mí mismo) que no pinten tanto lo que vemos como cómo nos hace sentir lo que vemos. O en otras palabras, podría decir: "Intenta pintar tu inspiración real, no lo que sea que te haya inspirado".

Y no quiero decir que esto suene tan críptico o tan pretencioso como podría parecer. Lo que quiero decir es que una vez que comenzamos a pintar, el único mundo en el que vivimos está allí, en el caballete frente a nosotros, en ningún otro lugar.

Cualquiera sea la vista, escena o idea que haya sido la que nos inspiró a pintar, es la pintura lo que importa a largo plazo. En mi opinión, el trabajo del artista es aportar una visión y visión emocional únicas a nuestra pintura; para interpretar lo que vemos, no solo intentamos producir un facsímil.

¿Qué buscas, o qué es lo que más te atrae, en materias potenciales?

Creo que los artistas siempre pintan, incluso cuando no estamos en el caballete. A medida que avanzo por el mundo, constantemente noto patrones convincentes de oscuridad y luz. Y estos son los que me inspiran mucho más que cosas o escenas reales.

Gran parte de mi trabajo está informado y moldeado por patrones de luz. Pero lo que realmente me inspira son las ideas más amplias de conexión, de diálogo y tensión, entre fuerzas opuestas: oscuro y claro, sombra y sombra, cálido y frío, perdido y encontrado, etc. Está en el contraste y el puente ocasional de resolución entre estas fuerzas opuestas que todas las preguntas que deseo que haga mi arte se pueden encontrar.

¿Dibujas en el lugar, trabajas con fotos o ambos?

Nunca voy a ningún lado sin un cuaderno de bocetos. Entonces, si no puedo pintar lo que quisiera en el sitio y en el momento, siempre haré un bosquejo rápido, áspero y pequeño de lo que sea que me inspiró. Mucho más que fotos, estos bocetos son herramientas invaluables porque registran mis impresiones, mis reacciones, mis sentimientos sobre una pintura potencial.

Entonces, si días o incluso meses después, elijo pintar algo que me inspiró, estas impresiones en mi cuaderno de bocetos pueden llevarme de regreso a ese lugar, ese momento, y recordaré cómo me sentí y por qué quería pintar En primer lugar. A menudo también los complemento con fotografías, pero trato de pintar más de mis bocetos que de las fotos, ya que los bocetos contienen más material artístico.

Sus pinturas son reconocidas por su diseño de sonido y contrastes de valor. ¿Haces bocetos con miniaturas a lápiz o estudios de valor?

Si, casi siempre. Tales bocetos no siempre son absolutamente necesarios, pero casi siempre los hago de todos modos.

Ayudan a anclar en mi conciencia los elementos esenciales de una pintura potencial: el mejor formato, los valores, la organización y la composición de formas oscuras y claras. También me dicen qué elementos son esenciales y qué detalles se pueden editar para que mi pintura cuente su historia de manera más efectiva, sin incluir nada innecesario.

Además, mi objetivo es pintar para pensar menos y sentir más. Por lo tanto, estos bocetos son una excelente manera para que yo deje de pensar de antemano. Entonces puedo pintar desde una postura más emotiva e intuitiva que de otra manera.

Muchas de sus pinturas presentan temas arquitectónicos que involucran la perspectiva. ¿Haces muchos dibujos preliminares antes de comenzar?

No. Hago todo a mano alzada en la superficie final sin herramientas especiales o construcciones de perspectiva preliminares. Pero para ser justos, fui un acuarelista arquitectónico comercial durante más de 20 años, por lo que dibujar en perspectiva se ha convertido en una segunda naturaleza para mí.

Sus pinturas destacan por su llamativo color y su sensación de atmósfera. ¿Haces bocetos preliminares de color?

Me considero más un pintor de valores. Todavía tengo mucho que aprender, bueno, todo, pero ciertamente sobre el color. Para mí es importante, pero no tanto como una composición exitosa de sombras y luces. Ningún color salvará una pintura que adolece de una gama de valores que carecen de dinámica o fuerza.

Hace años, una de mis primeras maestras fue la gran Jeanne Dobie, que sigue siendo una de nuestras mejores coloristas. Sigo aprendiendo de sus enseñanzas incluso ahora. De ella aprendí el poder de los tonos complementarios y desde entonces me he ido adaptando y expandiendo sobre ese tema. Trabajo casi exclusivamente en complementarios.

La atmósfera, la tensión satisfactoria y la electricidad en una acuarela que se puede lograr cuando un color se mezcla con su complemento es emocionante, y como nada más que se puede hacer con éxito en otro medio.

A veces haré un estudio preliminar de color, pero generalmente no. Sin embargo, siempre tengo en mente un plan de color básico, una base de dos tonos complementarios que establecerán el tono para la pintura que se avecina. Y dejo que la pintura se desarrolle como quiera a partir de ahí.

¿Hay algunos colores en los que pareces confiar, como viejos amigos?

Bueno, supongo que sí, pero es más exacto decir que hay combinaciones de colores específicas en las que confío constantemente. Estos son casi siempre complementos, cálidos y frescos. Entonces, el azul cobalto es un elemento básico de muchas paletas, incluida la mía. Pero nunca pienso en el azul cobalto sin su cálido complemento: el rojo claro o el naranja de cadmio lo más habitual para mí.

Lo mismo es cierto, en un registro más profundo, para Ultramarine Blue y Burnt Sienna; También violetas y amarillos, rojos y verdes de varios tonos. Últimamente, he estado experimentando con pinturas en las que uso principalmente un solo color, tonos de azul o tonos de púrpura tal vez. Es entonces un desafío interesante y emocionante observar el poder que puede tener un pequeño punto de naranja en una pintura totalmente azul, o un área pequeña de amarillo en una pintura completamente morada.

¿Hay algunos colores que intenta evitar por alguna razón, personal o técnica?

Prefiero los pigmentos que se basan principalmente en sedimentos. Como uso papeles bastante texturizados, estos pigmentos tienden a ser un poco "más pesados" cuando están en una solución de agua y, por lo tanto, se hunden hasta el fondo de un lavado, se asientan en las hendiduras del papel y fluyen sobre los picos. Esto da como resultado pinturas que tienen ese brillo translúcido y texturizado que puede ser tan característico de la acuarela.

Por la misma razón, tiendo a evitar los pigmentos más manchados. Simplemente teñirán la superficie del papel y, para mí, pueden dar como resultado un trabajo que parece más plano, menos vivo.

¿Qué tipo de papel prefieres?

Dentro de lo razonable, cuanto más texturado, mejor (por las razones indicadas anteriormente). Entonces uso Saunders Waterford o Fabriano Artistico de superficie rugosa con mayor frecuencia. Por lo general, evito papeles más gruesos porque tienden a absorber demasiado pigmento y pueden aplanar la apariencia de una obra a medida que se seca. Entonces 140 lb (300 g / m2) es el peso que generalmente prefiero.

Arches tiene una textura hermosa, pero tiende a tener mucho tamaño. Si bien es ideal para bordes más duros, no siempre es tan bueno para los efectos húmedo sobre húmedo. Con papeles más blandos como Saunders, la solución húmeda de pintura / agua se mezclará literalmente con las fibras del papel.

¿Suele preparar el papel humedeciéndolo, montándolo, etc.?

Si estoy trabajando a una escala mayor (tamaño de hoja completa y superior), generalmente graparé el papel en una camilla para evitar problemas de pandeo. Si estoy usando un material de gran tamaño, también lo remojaré y estiraré antes de engrapar.

Pero para trabajos más pequeños, del tamaño de media hoja más o menos, por lo general, basta con pegar el papel en un tablero. Puede doblarse un poco cuando está bastante húmedo, pero se secará completamente plano.

¿Puedes decir de inmediato cuando las cosas no funcionan bien en una pintura?

Esa es una gran pregunta, pero sin una respuesta clara. Diría que incluso cuando creo que puedo decirlo, a menudo me equivoco. De hecho, me equivoco al hacer esa pregunta.

Lo que sucede a menudo es que tenemos una noción preconcebida en nuestras cabezas sobre cómo creemos que la pintura "debería" ir, o cómo "debería" verse. Pero en algún punto del camino, gira a la izquierda y reaccionamos mal. Esta es la respuesta incorrecta. Para empezar, dejar de lado esas nociones y aprender a escuchar su pintura a medida que evoluciona es la correcta.

La pintura a menudo sabe lo que quiere o necesita más que tú. Lo que sigo aprendiendo es la importancia de tener un plan general, pero también de tener la voluntad de abandonar ese plan si la pintura me dice que quiere ir en otra dirección.

La acuarela es un medio que no puede ni debe nunca ser completamente controlado o "dominado". Cuando me pierdo en el proceso de pintar, cuando apago mi mente crítica y solo pinto por intuición y sentimiento, siempre saldré con una pintura más exitosa que si tratara de doblar y forzar el medio a algo preconcebido caja. La pintura resultante puede ser muy diferente de lo que inicialmente imaginé que sería. Pero casi siempre será mejor.

¿Cuál es el mejor consejo que puede ofrecer a un joven y aspirante a artista de la acuarela?

Mi mejor consejo para la mayoría de las personas sobre cualquier tema sería no tomar demasiados consejos. Realmente quiero decir eso, y no de manera irónica. Sí, por supuesto, deberíamos estudiar de los maestros; debemos aprender de ellos e inspirarnos en ellos. Pueden abrir nuestros ojos y facilitarnos el camino.

Pero al final, para ser buenos en cualquier cosa, todos debemos estar dispuestos a dedicar el tiempo y el esfuerzo para conocernos y forjar nuestros propios caminos. Es solo al hacer esto que podemos esperar encontrar nuestra propia voz, conocer nuestras propias pasiones y fuentes de inspiración.

Y tanto como sea posible, debemos tratar de no compararnos demasiado con nadie más. Hacerlo puede convertirse en una especie de veneno. Engendra un tipo de competitividad poco saludable, y puede fomentar dudas innecesarias y orgullo innecesario, ambos peligros peligrosos.

Es absurdo creer que alguna vez podamos dominar por completo la acuarela. Pero debemos pintar como si creyéramos que podemos. Es mi deseo para todos nosotros amar el proceso de esfuerzo, de aprendizaje y de mejora, pintura por pintura, como una búsqueda alegre de por vida.

Después de todo, no hay una forma "correcta" de pintar en acuarela, o de hacer casi cualquier otra cosa. Solo existe la forma que funciona mejor para usted, solo la forma en que se puede formar su propia voz única y se puede escuchar contando las historias en las que solo usted podría conocer las palabras.

Más acerca de Thomas Schaller

Después de una carrera de 20 años en Nueva York como arquitecto y artista arquitectónico, Thomas Schaller ahora reside en Los Ángeles, donde trabaja a tiempo completo como artista de pintura en acuarela. Como miembro de la firma AWS y NWWS, Tom también fue elegido recientemente como miembro artista del California Art Club y del Salmagundi Club en Nueva York.

El trabajo de Schaller ha sido aceptado en muchas exposiciones de prestigio en todo el mundo, incluida la American Masters Exhibition, Nueva York; la Sociedad Americana de Acuarelas; la Sociedad Nacional de Acuarelas; la Exposición de la Medalla de Oro del California Art Club; la Bienal de Acuarelas de Shenzhen, China; la Bienal Internacional de Acuarelas de Zhujiajiao, China; Exposición de los Maestros de la Acuarela, St. Petersberg; La Exposición Mundial de Watermedia, Tailandia; Acquarello en Fabriano, Italia; Eau en Couleurs, Bélgica; Salon de L’Aquarelle du Haillan, Francia.

Recientemente se han agregado ejemplos de su trabajo a las colecciones permanentes del Museo de Dibujo Arquitectónico de la Fundación Tchoban en Berlín y la Fundación Pacific Arts en Newport Beach. Tom es autor de dos libros; el más vendido y ganador del premio AIA,Arquitectura en acuarela yEl arte del dibujo arquitectónico. Actualmente está trabajando en su tercer libro, y recientemente lanzó una serie de videos y DVD: Capturando luz en acuarela: pintura de figuras, que está disponible ahora.

Puede obtener más información sobre Schaller y su arte visitando su sitio web.


Ver el vídeo: Thomas Schaller Watercolor: The Power of Design FREE LESSON VIEWING (Junio 2021).