Perfiles de artistas

El artista contemporáneo de la acuarela, John Salminen, comparte la sabiduría duramente ganada

El artista contemporáneo de la acuarela, John Salminen, comparte la sabiduría duramente ganada


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Entrevista exclusiva con Master of Watercolour: John Salminen

Cada vez que miro el trabajo de John Salminen, simplemente me alegro. Pasé varios minutos estudiando cada pintura, asimilando los colores, las composiciones, las narraciones, las formas, y esta absorción visual me anima el espíritu. Por este motivo, entre muchos otros, estoy encantado de que John Salminen sea el jurado de laDécima Muestra Anual Internacional de Watermedia.

Su ojo experto y numerosos reconocimientos artísticos lo convierten en un jurado ideal para esta competencia. No solo enseña y participa en eventos de pintura en todo el mundo, sino que también es miembro de la American Water Society, la National Water Society y la Transparent Watercolour Society of America.

Salminen ha ganado más de 220 premios en exposiciones nacionales e internacionales, y ha sido artista invitado en numerosas exposiciones internacionales de acuarela en China, Singapur, Taiwán, Tailandia, Rusia, Turquía, México, Italia, Bélgica y Australia.

Aprenda todo sobre John Salminen, el aclamado jurado de Watermedia Showcase, en esta entrevista exclusiva a continuación. ¡Disfrutar!

¿Cómo te interesaste en la acuarela?

Mi interés por la acuarela comenzó a principios de la década de 1980 cuando tuve la oportunidad de estudiar con Cheng Khee Chee. Él estaba enseñando clases de extensión en el campus Duluth de la Universidad de Minnesota.

Un compañero profesor de arte y yo nos inscribimos en varias clases, que abarcan un período de dos años. Esta no fue mi primera experiencia con la acuarela, pero fue el ímpetu necesario para hacer un compromiso serio con el medio.

Aprendí muchas técnicas útiles, pero lo más importante fue que el enfoque basado en el diseño de la acuarela es intrigante. Me hice cada vez más consciente de la importancia de una base sólida basada en el diseño.

Cuanto más pintaba, más me daba cuenta de cuánto tenía que aprender. Siento que todavía estoy aprovechando la información y las habilidades que adquirí durante esas clases.

¿Quiénes fueron los artistas de la acuarela que más te inspiraron?

Comencé como un pintor expresionista abstracto. Los conceptos y enfoques de DeKooning y Franz Kline siguen siendo centrales en mi mente cuando comienzo una nueva pintura.

Cuando comencé a pintar en acuarela, de manera representativa, el Sr. Cheng Khee Chee fue una gran influencia. Y, al principio, quería pintar como él. Al mismo tiempo, estaba aprendiendo de los pintores de California, los grandes pintores de plein air rápidos y sueltos que conducían el medio hacia adelante.

Robert E. Wood y Morris Shubin me proporcionaron otra forma de incorporar el diseño en mis piezas. Frank Webb escribió elocuentemente sobre el tema, y ​​estudié cuidadosamente su enfoque.

A medida que me volví más hábil, comencé a asumir mi propio estilo. Mis influencias se afinaron más finamente.

Si bien no trato de emular el trabajo o el estilo de otros pintores, continuamente me inspiro en muchos artistas. El uso actual de Dean Mitchell de grises ricos, los brillantes pasajes de valor medio de Joseph Zbukvic y la capacidad de Mary Whyte para involucrar al espectador en un nivel emocional son todos intrigantes para mí.

Mientras enseño, juzgo, visito exhibiciones y miro el trabajo en libros o en las redes sociales, veo fragmentos de pinturas que me hacen pensar en cómo un efecto particular o incluso un tipo de pincelada podrían afectar mi propio trabajo. Todo lo que veo tiene el potencial de modificar mi pensamiento e influir sutilmente en mi trabajo. Siempre seré estudiante, y la observación cuidadosa de las obras de pintores que admiro me ayuda en mi viaje hacia la mejora.

¿Qué buscas, qué es lo que más te atrae, cuando buscas un tema potencial?

Trabajo a partir de fotos que tomo en el lugar, usando el visor de la cámara como mi cuaderno de bocetos. Busco cambios de valor y una composición interesante cuando determino cuándo hacer clic en el obturador. Estos mismos elementos me ayudan a determinar cuál de mis muchas referencias fotográficas elegir para una pintura.

Una vez que selecciono un tema con una composición fuerte, se convierte en mi trabajo infundirlo con contenido adicional que hablará a los espectadores. Con este fin, a menudo agrego figuras y cambio el estado de ánimo y la atmósfera ajustando la estructura de valores para impartir una sensación de tiempo y lugar.

Algunos sujetos se prestan más fácilmente a una "historia" que otros. Eso es parte del desafío de crear una pintura con la que las personas puedan identificarse.

Muchas de sus pinturas presentan ubicaciones bien conocidas. ¿Crees que esto te ayuda a establecer un estado de ánimo o un vínculo con el espectador?

Al utilizar temas con los que los espectadores pueden relacionarse, los invito a interactuar con el trabajo. Uno de mis objetivos es mostrar al espectador una mirada ligeramente diferente a un ícono familiar.

Su trabajo destaca por su fuerte diseño de temas complejos. ¿Hacen pequeños estudios preliminares o estudios de valor?

Durante muchos años llené el cuaderno de bocetos tras otro con bocetos detallados realizados en el lugar. Luego regresé a mi estudio y rehice los bocetos con miras al diseño, la composición y el valor.

El segundo dibujo se convirtió en mi modelo para la pintura, mientras que mi boceto in situ proporcionó detalles convincentes. Después de tanta práctica con este enfoque basado en el diseño que crea patrones de valor, arreglos dinámicos de forma y composiciones interesantes, ahora siento que he internalizado estos principios.

Puedo identificar un sujeto fuerte tanto cuando tomo las fotos como cuando las escaneo buscando referencias de pintura. Sin embargo, todavía garabateo mientras hablo por teléfono. Cuando tengo un poco de tiempo extra, me gusta pasarlo haciendo arreglos abstractos de valores oscuros, medios y claros, composición en su nivel más esencial. A medida que los músicos consumados continúan practicando escalas, sigo componiendo.

Una vez que se establece la composición y dirección de la pintura, ¿procede sin mucho trabajo preliminar?

Una vez que veo lo que quiero pintar, hago un extenso dibujo, reorganizando y rediseñando como solía hacer en mi cuaderno de bocetos. El valor de un dibujo sólido es que me libera durante el proceso de pintura para concentrarme en el estado de ánimo y los sentimientos.

Debido a que mis pinturas son a menudo bastante grandes, el dibujo me mantiene en contacto con mi intención original. Y, el tiempo dedicado a crear el dibujo se recupera durante el proceso de pintura.

He descubierto que es importante para mí poner la pintura con frecuencia y mirarla con cuidado y crítica. La pintura a menudo desarrolla su propia voz, y a veces sugiere una nueva dirección.

¿Qué puede decirnos sobre su uso efectivo de neutros y color limitado? Usas valores oscuros y sombras profundas muy bien. ¿Alguna vez usó negro, aunque solo sea para un golpe extra?

Mi uso del color neutralizado se basa en el concepto de puesta en escena. Al crear una pintura cuidadosamente orquestada utilizando mezclas complementarias y una rica mezcla de grises, puedo usar pequeñas cantidades de color puro y brillante para crear un acento dramático.

También uso el negro de la lámpara como un acento dramático, colocando el negro puro en una parte de la pintura que ya está dedicada a los negros mixtos muy oscuros (alizarina carmesí y verde de ftalo o azul ultramar y ámbar quemado, por ejemplo). El negro de la lámpara da luminosidad a los pasajes oscuros circundantes y proporciona el complemento adicional necesario para crear un acento oscuro.

Usas referencia fotográfica para tus pinturas de estudio. ¿Has experimentado algún inconveniente real al trabajar con fotos?

Existe un riesgo potencial al trabajar desde fotos. Los artistas a veces simplemente copian lo que la cámara grabó o trabajan a partir de fotos tomadas por otras personas. Esto podría limitar las habilidades de los artistas para expresar sus visiones creativas individuales.

Enseñé fotografía durante muchos años y creo que los estándares estéticos por los cuales juzgamos una foto son diferentes a los que usamos para juzgar una pintura. Simplemente agrandar una foto con pintura parece una tontería. Una tienda de fotocopias puede hacerlo más rápido y más barato.

Mi desafío cuando uso la referencia fotográfica es crear un trabajo que se base en el manejo pictórico del medio y aproveche mis opciones para mejorar y realzar la realidad de la escena. A menudo tengo una reacción emocional a mis sujetos. Lo que veo está coloreado por la suma total de mis propias experiencias.

Por ejemplo, a veces mi visión de una escena ha sido influenciada por hermosos pasajes descriptivos de autores como Saul Bellows. O recuerdo cómo me sentí cuando estaba parado en el lugar mirando a través de mi visor. Recuerdo el rumor del tren elevado o el olor a anacardos tostados de un vendedor cercano. Todos esos factores contribuyentes agregan elementos a mi pintura que no se incluyeron en la referencia inicial de la foto.

Una foto registra fielmente los detalles. Necesito priorizar ese detalle, interpretarlo y, con suerte, mejorarlo. Estas cosas, combinadas con la calidad de la marca en la página, distinguen una pintura de una fotografía.

¿A veces trabajas con varias fotos diferentes del mismo tema?

A menudo combino imágenes para mejorar la composición o mejorar la historia que se cuenta.

¿Qué papel prefiere generalmente: marca, prensa en frío, prensa en caliente, etc.?

El mejor papel para mi proceso de pintura es d’Arches 140 lb press en frío, en hojas completas, tamaño de elefante o piezas más grandes cortadas de rollos. Sirve mis necesidades por completo.

¿Preparas tu papel de alguna manera: mojándolo, estirándolo, etc.?

Simplemente pego el papel a un trozo de núcleo de espuma, colocando la cinta a aproximadamente 1/2 pulgada del borde del papel. Utilizo un núcleo de espuma que he precortado a las mismas dimensiones exteriores de mi tapete y pieza de plexiglás, lo que me permite deslizar fácilmente la pintura detrás del tapete.

El plexiglás restaura el brillo a la superficie. Este sistema simple promueve períodos frecuentes de reflexión a medida que emerge la pintura.

¿Tiene algunos colores en los que confía y algunos que intenta evitar, por alguna razón?

Mis colores favoritos son muy tradicionales. Mi paleta no ha cambiado mucho en muchos años. Alizarin Crimson y Pthalo Green se sientan uno al lado del otro, al igual que Ultramarine Blue, Burnt Sienna y Burnt Umber. Estas son las combinaciones de caballos de batalla de mis esquemas de colores neutros.

Otra combinación que me gusta es Cerulean Blue y Cadmium Orange para crear algunos colores ricos y difíciles de definir. Mi única incorporación reciente es una de las favoritas de prácticamente todos: Quin Gold. Sin embargo, lo uso con precaución porque quiere ser la estrella del programa, lo quiera o no.

Mis mezclas favoritas ocurren después de un par de días de pintura cuando la lechada en el medio de mi paleta sin lavar comienza a ponerse interesante.

Yo personalmente evito todos los verdes amarillos. El único verde en mi paleta es el ftalo porque es fresco y se mezcla bien con otros colores.

Sus pinturas plein air presentan un estilo encantador pero totalmente diferente. ¿Han contribuido a la evolución de su estilo de pintura de estudio?

Mis pinturas de estudio tardan entre 40 y 60 horas en completarse. Porque disfruto mucho el acto de pintar, eso no es un problema para mí. Me sumerjo tanto en las pequeñas abstracciones que surgen cuando aplico detalles internos que podría seguir pintando para siempre.

Sin embargo, recientemente me invitaron a participar en viajes de pintura al aire libre en China y otros lugares. Mi estilo de estudio no sería viable, por lo que he revisado mis raíces: el estilo rápido y suelto de California. Es cómodo para mí y se adapta bien a los conceptos de diseño subyacentes que he desarrollado a lo largo de los años.

Disfruto poder completar una pintura en una o dos horas, y cada vez estoy más satisfecho con los resultados. Creo que estas experiencias fortalecen mi trabajo en el estudio porque me volvieron a poner en contacto con el maravilloso aspecto luminoso de los lavados aplicados rápidamente, algo que a veces se pierde en el estudio.

Cuando salgo a la calle con mi cámara, estoy creando imágenes con la misma mentalidad que cuando estoy pintando afuera experimentando la escena de primera mano. No hay tanta desconexión como podría parecer. La mayor diferencia es que cuando pinto al aire libre, estoy usando pinceles casi exclusivamente cuadrados en lugar de mi favorito, el pincel puntiagudo # 4.

¿Cuál es el mejor consejo que puede ofrecer a un joven y aspirante a artista de la acuarela?

Escucho mucho esta pregunta: "¿Qué puedo hacer para ser un mejor pintor?" Ya sea que lo pida un principiante o un artista experimentado con la esperanza de mejorar, la respuesta es siempre la misma: ¡PINTAR MÁS! Cuanto más pintamos, mejor nos convertimos y más lo disfrutamos.

También sugeriría a los aspirantes a jóvenes artistas de la acuarela que intenten encontrar un lugar para pintar donde no sea necesario desglosarse y prepararse nuevamente para cada sesión de pintura. No es importante tener un estudio sofisticado, solo un lugar donde las pinturas y el papel se puedan dejar sin tocar.

Los artistas que esperan que la musa hable a veces pueden esperar mucho. Se puede pasar ese tiempo practicando, perfeccionando las habilidades de pintura. Una vez que se hace un compromiso serio, y se da prioridad a encontrar tiempo para pintar regularmente, el resto seguirá. Como todo lo demás que intentamos dominar en nuestras vidas, la práctica es la respuesta.

También es importante no permitir que los contratiempos o rechazos se vuelvan molestos o frustrantes. Calculo mi progreso en incrementos de cinco años en lugar de una pintura a la siguiente.

No muestro la misma pintura en más de una exposición competitiva, y sugeriría que otros pintores hagan lo mismo. En mi opinión, los espectadores estarán menos interesados ​​en una pintura la segunda vez que la vean, y menos aún la tercera.

En lugar de confiar en una pintura muy exitosa, alentaría a los pintores a volver al estudio, trabajando para hacer una mejor. Tanto el crecimiento personal como artista como el desarrollo de una audiencia visual llegarán a aquellos artistas que están comprometidos a avanzar hacia la meta que todos compartimos: dar lo mejor de nosotros.

Contribuciones del artículo de Paul Sullivan; todas las fotos extraídas del libro de John Salminen, John Salminen, maestro del paisaje urbano, que puedes consultar aquí.

Exhiba sus talentos de Watermedia

Ahora que ha aprendido más sobre la vida, el arte y los consejos de John Salminen, ¿por qué no pone a prueba sus habilidades?

Envíe sus pinturas de watermedia a la décima Muestra Anual Internacional de Watermedia para tener la oportunidad de ganar uno de varios premios increíbles.Obtenga más información sobre la competencia, las ofertas de premios y cómo participar aquí.. ¡Buena suerte, artistas!


Ver el vídeo: En vivo PINTORES (Julio 2022).


Comentarios:

  1. Almo

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  2. Hagly

    Este mensaje tan valioso

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    ¡Buen trabajo!



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