Dibujo

5 técnicas de acuarela que puedes aprender de Winslow Homer, Andrew Wyeth, J.M.W. Turner y otros famosos artistas de la acuarela

5 técnicas de acuarela que puedes aprender de Winslow Homer, Andrew Wyeth, J.M.W. Turner y otros famosos artistas de la acuarela

Aprenda las técnicas de la acuarela, para la composición, los elementos de diseño y el punto focal, de famosos artistas de la acuarela como Winslow Homer, Andrew Wyeth, J.M.W. Turner, John Singer Sargent y Edward Hopper.

Cuaderno esencial del acuarelista es el recurso para elegir después de absorber esta magistral inspiración. Reinventa las escenas que rivalizan con cualquier foto de referencia que tengas y aprende la alegría de la acuarela para que sigas pintando a tu manera. ¡Disfrutar! - Courtney

1. Asume un punto de vista único como Winslow Homer

En el invierno de 1885-86, Winslow Homer (1836-1910) pintaron varias acuarelas llamativas durante sus vacaciones en Nassau. Popular por su hermoso entorno y clima templado, este puerto de Bahamas fue un complejo de moda incluso entonces. Pero en su acuarela, Una pared, Nassau, Homer no le da al espectador la clásica vista de postal. Sin duda, la escena está llena de exuberantes colores tropicales y llamativa luz caribeña, pero el punto de vista es muy inusual.

Lejos de un panorama panorámico típico, Homer ha bloqueado la vista clásica de la costa con una gruesa pared gris. La pared molesta no solo domina la mitad inferior de la pintura; También es simple y sin texturas. La apertura vertical hacia los frescos verdes tropicales y azules del borde del agua proporciona el único alivio. Pero incluso esta invitación al área central de la pintura se encuentra incómodamente lejos a la izquierda y nos aleja del punto focal principal: el velero blanco.

Hacer cortes

Además, Homer ha cortado la pintura por la mitad con dos líneas horizontales muy fuertes. En este caso, Homero se escapa con el uso de tales artificios artísticos no tradicionales porque ha creado tensiones dinámicas interesantes y una fuerte sensación de movimiento.

Observe los toques de naranja y rojo opaco en la pared que usa para armonizar la pared con el rojo más fuerte en las flores de arriba y para crear una forma decisiva pero sutil en la esquina inferior derecha para atraer la atención hacia el punto medio.

El juego de la luz moteada en la pared (un ejemplo de la gran explotación de Homer del papel blanco) también lleva inteligentemente el ojo a través de la pared hacia el centro. El cielo y el follaje conducen el ojo de izquierda a derecha, y las extravagantes hojas de frangipani rojo conectan las áreas principales de la pintura, ya que parecen explotar como fuegos artificiales sobre la gruesa pared.

Precursor del modernismo

Preparando el escenario para la pintura estadounidense moderna, esta composición tiene una simplicidad casi oriental, enfatizando tensiones y equilibrios para crear un punto de vista único. Las acuarelas de Homer son consideradas por muchos como el mejor arte que América ha producido. Y su habilidad para desafiar al espectador con una visión incómoda o no tan obvia es una de las razones. Otro es su ejecución directa y enérgica del medio. Pinta de manera muy deliberada y con un control extraordinario, pero logra una apariencia descuidada.

2. Domina tu composición como Andrew Wyeth

En su famosa pintura al temple de huevo de 1948, El mundo de Christina, Andrew Wyeth nos da una excelente muestra de su uso experto de dispositivos compositivos. En esta pintura, demuestra que los elementos de diseño no necesitan ser visibles para ser efectivos. A veces, de hecho, son tan sutiles como para escapar de su aviso, a menos que alguien les llame la atención.

Si miras de cerca, verás dos mechones sueltos de cabello que sobresalen del costado de la cabeza de Christina. Estas dos cerraduras tienen forma de líneas curvas, que hacen eco del par de pistas cercanas que conducen cuesta arriba a la casa. En la esquina superior derecha del camino de entrada, hay una cerca que nuevamente repite esas líneas. En el lado izquierdo de la cabeza de Christina hay otro mechón de cabello, cuya forma también se repite en otra parte de la imagen. Se repite en la línea curva en el campo en su esquina superior izquierda, y nuevamente, esta vez al revés, en el lado opuesto de su cabeza.

El cuerpo de una mujer, repetido

También hay una forma completa que reverbera en esta pintura, una que es bastante discreta, pero enormemente poderosa. La forma del cuerpo de la mujer resuena de manera abstracta en las formas de los edificios en el fondo. Ocurre en el grupo de edificios en la esquina superior derecha de la imagen. Y lo encontrarás de nuevo en el pequeño edificio anexo directamente encima de ella en la cima de la colina.

Lo que tenemos aquí, en efecto, es una forma orgánica (el cuerpo de la mujer) que se repite en dos formas geométricas. Esta repetición de formas no es accidental ni casual. Es el producto del genio compositivo del artista. Y es este tipo de instinto del que está hecho el gran arte.

Paisaje y figura

El elemento dominante en esta pintura es la pendiente aparentemente vasta y desolada, que aísla la figura desesperada que se extiende sobre el suelo. (Christina Olson, la modelo de Wyeth, no podía caminar). Sin embargo, el énfasis está en la figura.

Por un lado, es mucho más probable que el ojo sea atraído por una forma humana que por un edificio. También es más probable que una forma compleja atraiga la atención que una forma simple, y el cuerpo torcido de la modelo es mucho más complejo que cualquier otra cosa a la vista.

Líneas para dirigir el ojo

En El mundo de Christina, también podemos descubrir el uso inteligente de Wyeth de las líneas direccionales. En la parte superior de la pintura, usa líneas diagonales para guiar su mirada hacia la imagen y hacia la casa en la colina, que es donde está mirando Christina, y presumiblemente es donde quiere estar.

La forma de la figura aparentemente varada consiste completamente en líneas diagonales, que connotan transición y / o inestabilidad. Los edificios en la cima de la colina, por el contrario, son elementos estabilizadores, particularmente el de la derecha (la casa de Christina). Aunque sus techos están inclinados, están más que compensados ​​por los contornos verticales de los lados y las chimeneas de los edificios. Por lo tanto, las estructuras parecen ser bastante sólidas y resistentes. Esto está en contraste dramático con la figura que se desvanece en el campo de abajo.

Wyeth también ha utilizado el principio del punto de vista y la perspectiva para su ventaja aquí. No hay duda de que la figura está cerca de usted, mientras que la casa está muy lejos. Esta larga visión, que mira a través de ella y hasta la casa distante, subraya su estado de aislamiento. Y debido a que Wyeth ha colocado nuestro punto de vista detrás de Christina, compartimos su desolación, lo que intensifica el impacto psicológico de la pintura.

3. Tome un enfoque directo como John Singer Sargent

"Vivir con las acuarelas de Sargent es vivir con la luz del sol capturada y retenida", dijo uno de los muchos biógrafos del artista. En efecto, John Singer SargentLas acuarelas parecen irradiar luz. En Figura con cortinas rojas, todo el espacio vibra con la bravura de su pincelada.

Una aventura amorosa

No hay duda de que a Sargent (1856-1925) le encantaba la acuarela. Desde el momento en que estudió por primera vez a los maestros en museos y se enamoró de la pintura, utilizó la acuarela. La inmediatez de esto lo emocionó. Y como cualquier verdadero maestro, pudo transferir las técnicas de acuarela que dominaba a todos los demás medios que intentó. Con una simple caja de lata de colores de sartén, Sargent dijo que "sacaría lo mejor de una emergencia".

Los caminos de Sargent

Su proceso fue simple: primero humedeció su papel con un ligero lavado de color, dejando algunas áreas intactas. Luego, con un pincel cargado, comenzó a articular la forma de la figura y a cargar la tela roja con un color rico y saturado.

Nunca describió sus temas en esta etapa temprana: el papel aún estaría demasiado húmedo para lograr un borde nítido. En cambio, esculpió la figura para darle forma a cada parte del cuerpo de formas obvias de sombras medianas y sombras oscuras, mientras dejaba hábilmente intactas las áreas más claras.

Pintó el lado oscuro de una figura, junto con el área que la rodea, donde el valor era similar. Cuando el papel comenzara a secarse, usaría trazos oscuros de pintura y acentuaría los bordes para definir las formas y mostrar la luz.

Un gran pintor, un gran dibujante

Como lo demuestra su pincel de confianza, Sargent fue un excelente dibujante, el resultado de años de práctica constante. Un artista amigo, Adrian Stokes, al observarlo, señaló: "Una vez que se asentó ... la rapidez y la franqueza con la que trabajó fue increíble ... Su mano parecía moverse con la misma agilidad que cuando tocaba las teclas de un piano ... Era un tipo de taquigrafía, pero fue mágico ".

4. Combina lo real y lo romántico como J.M.W. Tornero

La Era de la Ilustración del siglo XVIII marcó un momento en que los científicos y artistas por igual se consumieron con la importancia de la observación y el estudio. John Ruskin, el gran escritor inglés y crítico de arte de la época, escribió que J.M.W. Tornero (1775-1851) “solía caminar por una ciudad con un rollo de papel delgado en el bolsillo y hacer algunos rasguños en una o dos hojas, que eran una indicación taquigráfica de todo lo que deseaba recordar. Cuando llegó a su posada por la noche, completó los lápices rápidamente y agregó todo el color necesario para registrar su plan de la imagen ".

Una conflagración observada

Cuando las Casas del Parlamento de Londres fueron consumidas por las llamas el 16 de octubre de 1834, Turner estaba en alta mar en un bote de remos, registrando rápidamente la dramática escena en su cuaderno de bocetos. Pasó las páginas tan rápido para capturar la escena desde numerosos puntos de vista que la parte posterior de cada acuarela tiene un poco de la anterior borrada.

Sin duda, Turner fue influenciado por la Era de la Ilustración, pero también fue producto de la Era Romántica (1789-1837), una época en que el arte y la ciencia estaban inexorablemente vinculados. Al igual que otros artistas románticos, no solo estaba interesado en la observación, sino también en la emoción. Sus sujetos a menudo tenían connotaciones simbólicas y su pincelada era tan subjetiva como objetiva.

Cuando Turner pintó este gran monumento en llamas, no se centró en los detalles. Pintó la furia de las fuerzas de la naturaleza. En sus manos, el fuego, el agua y el cielo lleno de humo se convirtieron en un evento apocalíptico.

Cuando miras la serie de bocetos del incendio que hizo en el sitio, puedes ver dónde literalmente atacó el papel con pinceladas furiosas. Y en La quema de las casas del parlamento, un estudio realizado un año después, Turner todavía está explorando el tema de la furia de la naturaleza y desarrollándolo en versiones más ricas y complejas. De hecho, Turner estaba tan fascinado con el tema que lo pintaría una y otra vez tanto en acuarela como en óleos.

5. Estudia la luz como Edward Hopper

Edward Hopper (1882-1967) comenzó su carrera artística como ilustrador comercial. Sobre la experiencia, dice: “Siempre me interesó la arquitectura, pero los editores querían que la gente agitara los brazos. Quizás no soy muy humano. Lo que quería hacer era pintar la luz del sol en el costado de una casa ".

En El techo de mansarda pintó la arquitectura a su manera. Transmitió forma con el drama de la luz, llenando casi toda la composición con esta estructura grande y llamativa. Hopper pintó la casa en una de sus muchas visitas de verano a Gloucester, Massachusetts, en Cape Ann.

El punto más oriental de los Estados Unidos, Cape Ann, es a menudo un lugar muy ventoso. Como resultado, Hopper a menudo pintaba escenas como esta desde el interior de su automóvil. Como Gloucester es un casco antiguo, la mayoría de las casas se encuentran cerca una de la otra y muy cerca de la calle. El recorte de esta imagen muestra cómo experimentaríamos la casa mientras caminábamos o pasábamos por ella.

Míralo, píntalo

Hopper típicamente pintaba sus acuarelas en el lugar. Para él, capturar la singularidad de un día en particular era su verdadero tema. En El techo de mansarda minimizó las características individuales del edificio para que el clima, la época del año, el viento, la luz y la sombra, el movimiento de los toldos y el juego de luz cálida y fría dominaran la escena.

Observe los toques de amarillo cálido que tiñen el lado iluminado del edificio y se entremezclan con las frías sombras púrpuras, pintadas como rayas de formas juguetonas y conmovedoras que bailan en las complejas superficies de esta casa.

Un maestro en preservar el blanco del papel, Hopper a menudo comenzó sus acuarelas con un boceto a lápiz, pero siempre improvisaba a medida que desarrollaba la pintura. Dicho esto, nunca perdió de vista su objetivo de incluir solo aquellos elementos que necesitaba para capturar los detalles de un momento en el tiempo.


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