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Técnicas de Plein Air: tierra, mar y cielo

Técnicas de Plein Air: tierra, mar y cielo


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La entusiasta e instructora de Plein air, Catherine Gill, comparte sus consejos sobre cómo capturar los colores de tres elementos esenciales del paisaje al pintar al aire libre: la tierra, el mar y el cielo. Además, descubra qué empacar para pintar en el lugar, ya sea que prefiera una configuración grande o pequeña.

Con los consejos y técnicas de Gill en la mano, estarás listo para tomar tu equipo e ir a explorar la pintura al aire libre. ¡Disfrutar!

Pintura al aire libre | Técnicas de paisaje para saber

Hago mucha pintura de estudio. Pero realmente disfruto pintando al aire libre, capturando el paisaje en plein air siempre que puedo. Me gusta lo que sucede con las ideas generadas cuando estoy ahí afuera. Trabajar en la ubicación proporciona una experiencia profunda que expande mis habilidades y mi mente.

Las lecciones que aprendí sobre los cambios de color y valor en el paisaje provienen de mi experiencia pintando al aire libre. El beneficio de tener la oportunidad de observar, para ver realmente los efectos de la luz de primera mano, no tiene comparación.

Equipo de pintura Plein Air

Cuando pinto al aire libre, llevo todo lo que necesito en una mochila. Utilizo una configuración más grande cuando estoy trabajando en el campo en un cuarto de hoja de papel de acuarela. Y llevo un kit más pequeño para los momentos en que estoy sentado debajo de un árbol, junto a un arroyo, en la nieve o en un kayak.

Conceptos básicos del kit de herramientas

La mochila que llevo cuando pinto al aire libre contiene lo siguiente:

  • Un caballete de trípode con una tabla que se adhiere al caballete.
  • Una tabla liviana que se adhiere al caballete y sirve como un estante para sostener mi paleta, agua y herramientas.
  • Una paleta plegable (con grandes áreas de mezcla) que contiene alrededor de 20 pinturas de acuarela (que llevo en una bolsa)
  • 140 libras papel de acuarela (cuartos de hoja). Uso papel prensado en frío si estoy haciendo acuarela recta, y papel prensado en caliente si estoy usando técnicas mixtas.
  • 3 pinceles
  • 2 recipientes pequeños de yogurt (y agua)
  • Pasteles, lápices de colores pastel y otros materiales de dibujo.
  • Un cuaderno de bocetos
  • Un taburete plegable

Considerando el color y el valor

Mire hacia afuera y verá tierra, cielo y, en algunos casos, mar o agua dulce. Son el elenco habitual de personajes en un paisaje.

Ahora mira de nuevo. Observe la dirección de la luz. ¿Viene del lado derecho? ¿La izquierda? ¿Desde arriba? Es importante determinarlo. Encontrará, por ejemplo, que si la luz toca un lado de un objeto, hay un cambio de color, no solo un cambio de valor, en esa forma desde su lado iluminado hasta su lado apagado.

La fuente de luz prestará su luz a la parte de la forma en que la luz golpea, o está más cerca. También prestará el color de esa luz al objeto. Entonces, cuando está al aire libre y la fuente de luz es el sol, por ejemplo, prestará su color amarillento al color del objeto, creando un cambio natural de color cálido a frío en todo el objeto.

Puede capturar este cambio de color inmediatamente en la primera aplicación de pintura. Primero, eche un vistazo al objeto, luego vaya a su paleta y seleccione una pintura que esté cerca en color y valor.

Luego, tome un amarillo (o un tono más cálido que su primera opción) y coloque ambos colores en su paleta con una separación de 3 a 4 pulgadas. Mezclarlos en un camino degradado (como se ve en la foto a continuación). Dentro de ese camino de mezcla habrá el cambio de color deseado.

Cambio de color frente a cambio de valor

En el follaje del árbol A (abajo), la luz proviene de la derecha, por lo que hay un cambio de color de amarillo-verde a verde a azul-verde, pero los valores están cerca. El follaje del árbol B muestra el mismo cambio de color, pero hay demasiado cambio de valor, lo que rompe la forma.

Para el follaje arbóreo A, seleccioné un amarillo aureolina y azul cobalto, ambas pinturas transparentes que sabía que podían ofrecer un valor de luz similar. En el follaje de los árboles B, elegí el amarillo aureolina y el azul ftalo (una mancha), que produce un color mucho más oscuro cuando se mezcla.

En el cielo A (abajo), puede ver el cambio de color, de rosa a azul, así como un cambio de valor limitado; Esto permite que el cielo se mantenga unido como una sola forma. Utilicé dos pinturas transparentes: rosa, rosa y azul cobalto, que probablemente produjeran valores de luz similares.

En el cielo B, utilicé rose madder genuino y phthalo blue (una mancha), que oscureció la mezcla. Produjo demasiado cambio de valor para mantener la forma unida.

Los colores de la tierra

Cuando la tierra constituye la mayor parte de los bienes raíces en una escena de paisaje, esto a menudo incluye una gran cantidad de espacio plano que recibe la luz de manera diferente de un área a otra. Si la tierra tiene caídas y cambios en las alturas y los contornos, como en los pastizales ondulados, habrá cambios en el valor, por leves que sean, y cambios en el tono.

Si la escena incluye una vista de la tierra en la distancia, el color de estas áreas cambiará, apareciendo más fresco, y quizás más gris y azul, que la tierra en primer plano.

Cambiar el tono, y tal vez incluso el valor ligeramente, a medida que el ojo viaja por la tierra es una herramienta importante para crear interés e indicar un espacio tridimensional.

Reflexión

En Valle de Swauk, Capturé el cielo nublado, típico de un valle en invierno, utilizando bordes suaves y valores cercanos. El color del cielo tiene un gran impacto, porque gran parte de su color se refleja en la tierra e influye en su color.

En estos campos continuos, por ejemplo, hay cambios sutiles en el color, pero no en el valor. El campo delantero es el más cálido; el campo en la distancia media es ligeramente más frío; y el campo más alejado, a la izquierda, es un amarillo aún más frío y gris.

Para la colina de atrás, mezclé un rastro de amarillo aureolina y siena cruda, y luego agregué un toque de violeta (azul cobalto y rosa más loco genuino) a gris el amarillo. Observe cómo las montañas de la izquierda se desvanecen a un valor más fresco y más ligero a medida que retroceden en la distancia.

Distancia

El cambio de color es una excelente manera de indicar la distancia. Los colores de los campos en Isla Whidbey, por ejemplo, se vuelven más fríos y grises a medida que retroceden. Incluso los árboles pierden un poco de su brillo y calor a medida que retroceden en la distancia.

Para el campo delantero, usé aureolina amarilla con algo de amarillo de cadmio. El color en el campo central era menos amarillo y, por lo tanto, un verde más frío. Para el campo más alejado, atenué el amarillo con un violeta claro mezclado con una rosa más salvaje genuina y azul cobalto (un color celeste).

Movimiento

Los colores que usé para el camino en Parque Ravenna se enfría de adelante hacia atrás, lo que crea movimiento y una sensación de distancia, pero los valores siguen siendo los mismos.

La pequeña colina a la derecha es un valor ligeramente más oscuro que el valor del camino plano. Ese cambio de valor más oscuro lo separa del camino plano más claro y lo hace aparecer en un plano elevado diferente.

Utilicé amarillo aureolina, rosa más salvaje, siena genuina y quemada para el camino, agregando un poco de color azul cobalto en la parte posterior para enfriarlo y ponerlo gris. Para la colina, utilicé las mismas pinturas, solo que más gruesas para que tuvieran un valor más oscuro.

Los colores del mar

El mar siempre está en movimiento. A veces, sin embargo, parece bastante quieto, con cierta holgura, justo antes de que cambie la dirección. Es importante adoptar un enfoque gestual para dibujar el mar, mantener las líneas sueltas y sentir el movimiento.

Donde el mar es plano, entre olas u ondas, refleja el color del cielo. Las ondas, por otro lado, tienen planos verticales que requieren un ligero valor y cambios de color.

Debido a que el mar se mueve tanto, un pintor necesita mirar de cerca. Verá que los tonos en el mar están conectados con los tonos en el cielo, incluso si el cielo no se muestra en la pintura.

Olas que rebotan

El mar representado en Luz de la mañana bordea la costa rocosa del estrecho de San Juan de Fuca en el noroeste del Pacífico. Era temprano en la mañana, y el mar iluminado por el sol tenía olas que rebotaban contra las rocas y creaban mucho movimiento, con una superficie del mar más tranquila más atrás.

El cielo de arriba era de color amarillo pálido, por lo que este es el color (amarillo aureolina) que se refleja en el agua plana entre las olas. El púrpura (una mezcla de azul cobalto y rosa más real) está en los planos laterales de las olas, un reflejo del lado de las rocas (donde estaba sentado) y los acantilados detrás de mí.

Aguas activas

En Costa de Irlanda, el mar está activo, especialmente en la orilla. Las olas y el movimiento del mar significan cambios de colores y valores. El mar distante tiene menos olas visibles, por lo que he aplicado un lavado plano sin muchos cambios.

Para mantener un valor de luz en general, utilicé un azul cobalto transparente y un toque de azul cerúleo dentro y alrededor de las puntas de las olas blancas, que primero se dibujaron ligeramente. Observe cómo también he usado los colores del cielo en el mar.

La calma antes de la tormenta

El mar en Neah Bay Mist muestra una marea floja inusual en una tranquila mañana brumosa en una bahía protegida a lo largo de la costa del estrecho en el estado de Washington. El mar está en calma; el cielo está en calma; y no hay mucho movimiento de mareas.

La sensación de que algo iba a suceder dictaba mis elecciones de color, valor y tratamiento de bordes. Debido a que el agua es básicamente plana, no hay mucho cambio de color o valor. Pero en los reflejos de la piscina de mareas a la izquierda, he capturado el color reflejado del bosque más atrás.

Observe también que en la arena a lo largo de la costa, hay un ligero cambio de color, pero no un cambio de valor. Esto crea cierto interés y movimiento visual, pero no demasiado para esta escena tranquila. Utilicé dos pinturas transparentes, rosa, rosa, genuina y amarillo aureolina, en una mezcla gradual en mi paleta y mantuve el espesor de la mezcla consistente.

Los colores del cielo

El cielo es importante para establecer el tono y el estado de ánimo de una pintura. Si lo que desea es emoción, necesitará cambios de color y matices que sean brillantes, y bordes que varían de duros a suaves a ásperos.

Si, por otro lado, es un estado de ánimo tranquilo y sombrío lo que busca, entonces querrá usar tonos más grises y de menor intensidad y dejar que se mezclen con bordes suaves. Estos cambios de color en el cielo crearán un movimiento visual, pero mantendrán el valor de los cambios cercanos entre sí. Además, tenga en cuenta que los colores del cielo casi siempre juegan un papel en el color del paisaje debajo de él.

Cielos interesantes

En Mount Stanley, B.C., el cielo no es el área principal de interés, pero aún quería agregar interés allí. Pinté el cielo y las nubes por separado, permitiendo algunos bordes duros y ásperos entre ellos.

Para el cielo más oscuro de arriba, mezclé un rastro de azul cobalto con un poco de azul cerúleo más opaco en mi paleta, que cargué en la parte superior. Hay menos modelos en estas nubes que en Cielo cle elum (abajo), lo que ayudó a mantener el foco en la zona montañosa debajo. Observe cómo las formas de las nubes imitan sutilmente la forma de las montañas.

Valores activos

El cielo en Cielo cle elum está activo: un cielo típico visto sobre las montañas Cascade, donde el aire se levanta y se mueve rápidamente. Verá un poco de cambio de valor entre el cielo azul y las nubes, y también dentro de las nubes, pero no tanto cambio que las formas se desmoronan.

En el centro inferior de la nube, utilicé un gris compuesto por los tres colores primarios: amarillo aureolina, rosa más real y azul cobalto, todas pinturas transparentes. Apliqué la mezcla rápidamente, creando bordes suaves para sugerir la ligereza de los fondos de nubes.

Para el cielo de arriba, utilicé una mezcla ligeramente más espesa de azul cobalto con azul ultramar más opaco para oscurecer la mezcla. Tuve cuidado de pintar estas dos áreas de cielo y nubes por separado. Quería obtener algunos bordes duros y ásperos, así como un poco más de valor de contraste, para crear interés y emoción en la parte superior de las nubes.

Una versión de este artículo, escrita por Catherine Gill, apareció por primera vez en Artista de la acuarela. Puedes suscribirte a esta revista aquí. Y, lea detenidamente los números pasados ​​aquí.

¿Te encanta pintar al aire libre? ¡Cuéntanos algunos de tus consejos favoritos y haz hacks en los comentarios!


Ver el vídeo: Rib Eye con costra de Ajo y Chile. Munchies Lab (Julio 2022).


Comentarios:

  1. Tucker

    Mensaje inigualable, me gusta mucho :)

  2. Arashigore

    Genial, es algo divertido

  3. Brann

    La muy buena comunicación es destacable.

  4. Paegastun

    Sin variantes ...



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