Historia del Arte

¿Puedes nombrar al primer realista?

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Gustave Courbet: el rebelde del movimiento romántico

Aprender los detalles de la vida de un artista (el drama, las luchas, lo mundano) puede hacer que su historia y sus contribuciones al arte realmente cobren vida. La vida de Gustave Courbet se ajusta a esa factura.

Me encantó descubrir todos los detalles de cómo fue anunciado como un rebelde del movimiento romántico. Y, ahora se lo considera uno de los primeros en impulsar el realismo en el mundo moderno. ¡Solo imagina! Sumérjase en la historia, es bastante épica.

La grandeza nace

Nacido en 1819, Gustave Courbet salió del tranquilo pueblo rural de Ornans, en el Franco Condado, para convertirse en uno de los artistas más famosos y los personajes más provocativos de la Francia del siglo XIX. En una era dominada por el romanticismo y el neoclasicismo aún generalizado, aprovechó un nuevo sentido de lo real en la pintura. Y así, a menudo se le atribuye haber acuñado el término "realista".

Gustave Courbet trabajó durante una época de grandes cambios sociales y políticos. Sus pinturas reflejan el creciente poder de las masas, el ascenso de una perspectiva científica y utilitaria, y la influencia de una gran cantidad de movimientos artísticos e intelectuales que se extendieron por París a mediados del siglo XIX y abarcaron todo, desde el anarquismo hasta el simbolismo.

Pero más que nada, Courbet era simplemente un pintor cuyas gruesas superficies táctiles, ayudadas con una técnica agresiva de espátula, le daban a sus cuadros una presencia física que era altamente innovadora, teatralmente asertiva y completamente única. Su enfoque directo, y a veces casi ingenuo, hacia la pintura le permitió mostrar a la gente común y los eventos ordinarios en una escala anteriormente reservada para visiones de dioses y reyes.

El artista agradeció la llegada de la fotografía, que rápidamente utilizó como referencia para su propio trabajo. Y, su carrera se extendió más allá del realismo hasta un punto en el que comenzó a jugar con nuevas ideas que se convertirían en Impresionismo.

Ningún mentor para nombrar ... ¿Verdad?

"A decir verdad, debo declarar que nunca he tenido un maestro", escribió Courbet al editor de un periódico en 1851. Como muchas de las cuentas personales del artista, esto no era exactamente cierto. De hecho, la formación de Courbet como artista comenzó temprano en la vida y se prolongó durante algunos años.

Su padre, un pequeño terrateniente, se encargó de educar a su hijo y esperó que ingresara en una profesión sólida como la ley. Sin embargo, en su adolescencia, Courbet se convirtió en alumno del pintor Charles Antoine Flajoulot mientras asistía a la Real Academia de Besanzón.

Flajoulot afirmó haber sido alumno de Jacques-Louis David. Su admiración por el dibujo clásico ciertamente se transmitió a su joven estudiante.

En 1839 Courbet se encontró en París. En lugar de estudiar derecho, se puso a trabajar en el estudio de M. Steuben, un pintor menor que acogió a varios estudiantes.

Courbet también comenzó una larga práctica de copiar obras maestras en el Louvre. Frecuentemente pintó sobre estudios previos mientras trabajaba a través de los maestros holandeses, flamencos e italianos, así como obras más contemporáneas de Ingres y Delacroix.

Estilo de salón

Courbet pasó siete años como aprendiz antes de lograr cualquier tipo de reconocimiento. En ese momento, el único camino hacia una carrera exitosa en el arte era a través del Salón oficial.

Celebrada desde finales del siglo XVII, el Salón fue una exposición anual, patrocinada por el gobierno. Las obras fueron examinadas por un jurado y colgadas del piso al techo en grandes salas de exhibición para ser vistas por un público que paga.

Se publicaron gacetas en las que los críticos de la época expresaron sus opiniones sobre el trabajo. En general, el arte recibió un nivel de escrutinio y discusión apasionada que la mayoría de los artistas visuales envidiarían hoy.

Era una sociedad en la que el arte importaba. Además, la producción de los pintores fue vista como una parte importante del discurso político e intelectual de la época.

El gobierno francés compró una serie de pinturas del Salón cada año a precios bastante altos, para colgar en varios edificios públicos. Cualquier coleccionista de arte serio sin duda prestará mucha atención a las obras ofrecidas.

3 de 24

Courbet comenzó a enviar pinturas al Salón casi tan pronto como llegó a París. De hecho, entre 1840 y 1847 presentó 24 pinturas, de las cuales solo tres fueron aceptadas.

Las razones de la falta de éxito del artista en estos años son bastante obvias. Sus habilidades como dibujante eran modestas, y su mano era algo pesada. Además, Courbet aún no se había encontrado a sí mismo como artista y su trabajo vaciló entre experimentos con un estilo romántico y una observación más directa, particularmente en su retrato.

El hombre desesperado

Uno de sus logros más dramáticos de estos años fue El hombre desesperado de 1844. Aquí se muestra como un lunático, arañándose el pelo, con los ojos muy abiertos con intensidad.

Lo que el trabajo carece de delicadeza, en particular en los detalles incómodos de la representación en las manos y la tela, lo compensa con el drama teatral provocado por contornos poderosamente dibujados y pesado claroscuro.

El hombre herido

Dos años más tarde El hombre herido encuentra al artista jugando con una mirada romántica. Se imagina a sí mismo languideciendo por una herida sufrida en un duelo.

Aquí la pesadez de la representación y la resultante monumentalidad de la forma parecen estar incómodamente en desacuerdo con el tema. Este es un tema que requiere el toque delicado de un Fragonard o el pincel fluido de Delacroix en lugar de la mano pesada y las formas grumosas del joven Courbet.

Mientras tanto, el artista se había sumergido en la cultura emergente de los bohemios. “En nuestra sociedad sobrecivilizada”, le escribió a su amigo Francis Wey, “debo llevar la vida de un salvaje, debo liberarme incluso de los gobiernos. La gente común tiene mis condolencias: debo hablar con ellos directamente, inspirarme en ellos, encontrar mi medio de vida en ellos. Por eso, me acabo de embarcar en la vida errante e independiente de un bohemio ".

A lo largo de su carrera, Courbet insistiría en su independencia como artista y como hombre. Su vida privada implicó una larga serie de enlaces románticos. Pero consideraba el matrimonio como una institución burguesa y se negó a tener algo que ver con eso.

Gran salida

El éxito comenzó para Courbet cuando exhibió no menos de 10 pinturas en el Salón de 1848 y recibió un aviso entusiasta de Champfleury, un crítico recientemente influyente. Champfleury fue un campeón de un nuevo realismo en el arte francés ya evidente en las novelas de Georges Sand. Pronto estaba empujando a Courbet en esa dirección.

Al año siguiente, el artista logró un avance profesional en el Salón cuando su pintura Después de cenar en Ornans fue admirado por Delacroix y comprado por el estado. La imagen era una representación enorme de una velada sencilla en el país. En la pintura, Courbet y su familia se relajan después de la cena mientras uno de ellos toca una melodía en el violín.

La pintura obviamente está influenciada por pintores holandeses, como Rembrandt, Hals, David Teniers y otros con quienes Courbet se había familiarizado cuando hizo un viaje a Holanda en 1846. Escribiendo a un curador en 1850 dijo: "Todas mis afinidades están con los pueblos del norte He viajado dos veces en Bélgica y una vez en Holanda para recibir mi instrucción y espero volver a ir allí ”.

Un nuevo enfoque

El genio de Courbet fue utilizar un enfoque holandés del siglo XVII para pintar la vida cotidiana y transferirlo a la Francia rural del siglo XIX a gran escala. Esto fue algo radicalmente nuevo para el público francés. En general, preferían que las representaciones de la vida en el campo se envolvieran en un romance agradablemente distante.

Al regresar a la casa de su familia para el invierno de 1849 a 1850, Courbet siguió este enfoque con venganza. Durante este tiempo, produjo su famosa pintura. Un entierro en Ornans. Trabajando a gran escala, pintó un gran grupo de figuras tal como habían aparecido el año anterior en el entierro de su abuelo.

"Debemos arrastrar el arte desde su pedestal", le escribió a un amigo ese invierno, "durante demasiado tiempo has estado haciendo arte con pomadas y 'de buen gusto'. Durante demasiado tiempo, los pintores, incluso mis contemporáneos, han basado su arte sobre ideas y estereotipos ".

Voluntad radical

Expuesto en el Salón de 1850 a 1851, Un entierro en Ornans causó un gran revuelo. Era monumentalmente grande y mostraba con franca franqueza a la sociedad rural que tantos parisinos estaban ansiosos por ignorar.

La pintura fue condenada como fea, y muchos la vieron como políticamente radical. Francia, y de hecho gran parte de Europa, había sido barrida por revoluciones y disturbios sociales en 1848, todo parte de la dinámica de la industrialización, con su cambio de poder y riqueza junto con el surgimiento de una sociedad urbana.

El propio Courbet nunca vio sus fotos como particularmente políticas. Más bien, parece haberse encontrado en la pintura al tratar de representar de manera bastante directa la vida que mejor conocía.

Encuentra su camino

En su Señoritas de la aldea del año siguiente, se hace evidente que su mano algo pesada se adaptaba perfectamente a su tarea. Algo en la tosquedad del manejo y el grosor de la pintura le da a la imagen una sensación de franqueza y autoridad. Además, le da a la escena un aura de honestidad que sería difícil de proyectar con un enfoque más hábil y pulido.

Y si la escala de las vacas en el fondo está en desacuerdo con la de los árboles, entonces solo sirve como una garantía adicional de la confrontación directa y difícil del artista con la naturaleza. Estamos convencidos de que solo busca mostrarnos, de una manera desprovista de artificios, un simple momento campestre. Un momento por el cual sus hermanas regalan dinero a una joven vaquera en los campos cerca de su ciudad natal.

En 1854, Courbet exhibió otra obra maestra, La reunión, o "Bonjour, monsieur Courbet". La imagen muestra al artista reuniéndose con su patrón Alfred Bruyas en la carretera cerca de Montpellier en mayo de 1854. Pero la pintura es mucho más que un simple registro de un evento.

Bruyas fue un rico banquero y coleccionista de arte que se convirtió en un gran defensor de Courbet. En la pintura, sin embargo, es el banquero quien se quita el sombrero ante el artista mientras su sirviente se inclina humildemente.

El propio Courbet parece haber estado caminando sosteniendo su sombrero a su lado y llevando su caballete de viaje y su caja de pintura en la espalda. Avanza con confianza y autoridad.

Nuevamente, el poderoso manejo de Courbet y su fuerte sentido del esquema gráfico se han implementado con gran efecto. La pintura irradia una sensación de franqueza abierta que es claramente moderna.

Atrás quedó toda la elegancia medida del neoclasicismo y también desaparecieron algunas de las trampas del romanticismo. El artista nos invita a mirar de frente a la luz del día en un mundo en el que el orden social ha cambiado.

Una de las obras maestras

Courbet hizo varias imágenes grandes de la vida rural en la misma línea, aunque ninguna de ellas logró el mismo poder que nunca. Un entierro en Ornans. En 1855, sin embargo, produjo lo que con razón se considera una de las grandes obras maestras del arte del siglo XIX, The Painter’s Studio: una verdadera alegoría que resume siete años de mi vida artística.

La imagen es un gran cuadro en el que el artista se muestra trabajando en un paisaje en el centro de la pintura visto por una modelo desnuda y un niño. Está flanqueado por partidarios y figuras de su mundo artístico, incluidos su amigo Baudelaire y el poeta Max Buchon.

Por otro lado, hay un mundo más oscuro que Courbet describió como "el otro mundo de la vida trivial, la gente, la miseria, la pobreza, la riqueza, los explotados y los explotadores, aquellos que viven de la muerte". Courbet tenía la intención de colgar la pintura en la Exposición Internacional de 1855. Estaba muy decepcionado cuando el jurado la rechazó.

Sin embargo, sí mostró el trabajo en una estructura temporal que había construido cerca. Montó una de las primeras exposiciones individuales patrocinadas de forma privada en la historia de Francia.

El evento fue anunciado por un letrero que anunciaba: “REALISMO. G. Courbet: exposición y venta de 40 cuadros y 4 dibujos de M. Gustave Courbet ". Un folleto acompañó la exposición en la que Courbet expuso sus principios artísticos:

“El título Realista me fue impuesto de la misma manera que el título Romántico fue impuesto a los hombres de 1830 ... Simplemente quería extraer, de un conocimiento completo de la tradición, la conciencia razonada e independiente de mi propia individualidad. Saber para poder crear, esa fue mi idea ... crear un arte vivo, ese es mi objetivo ".

Entre los visitantes de la exposición se encontraba Delacroix, quien escribió en su diario: “Me quedo allí solo durante casi una hora y descubro que la foto que rechazaron [El estudio del pintor] es una obra maestra; Simplemente no podía apartarme de la vista ".

Las artes eróticas

Varias de las pinturas de Courbet en los años siguientes son claramente eróticas, o al menos sugerentes. A menudo se centran en las relaciones sexuales o románticas. Famoso pintó una imagen de genitales femeninos para un coleccionista turco y sus diversas pinturas de parejas de mujeres culminaron en Los durmientes, Una imagen monumental de dos mujeres desnudas entrelazadas en la cama.

Una de las pinturas más tranquilas sobre este tema esSeñoritas a orillas del Sena, de 1856-1857. Para el ojo moderno, este trabajo es simplemente un idilio espléndidamente pintado que muestra a dos mujeres jóvenes relajándose. En el momento de su exposición, sin embargo, causó un gran revuelo.

Los parisinos habían comenzado a disfrutar de salidas pausadas a lo largo del Sena los fines de semana. Courbet fue uno de los primeros pintores en tratar este tema, que luego se convertiría en uno de los favoritos de los impresionistas.

La audiencia de su época, sin embargo, se escandalizó por el hecho de que las jóvenes estaban en estado de discapacidad. Aunque nos parece demasiado vestida, la mujer en primer plano se muestra esencialmente en ropa interior: una camisa, un corsé y una enagua. El hecho de que todavía tiene puestos sus guantes amarillos fue visto como particularmente erótico.

El nuevo amigo de Courbet, P.J. Proudhon, crítico y anarquista, escribió copiosamente sobre las dos señoritas que conocía claramente y vio la imagen como un comentario moralista sobre el estado de las mujeres "retenidas".

Es completamente improbable que el propio artista haya compartido esta opinión. Puede que simplemente haya disfrutado presentando al público una provocación. Sin embargo, nada puede restar valor a la gran riqueza de la pintura, con sus telas exuberantes, su riqueza de follaje y el ensueño soñador de las propias damas.

Amigo de Whistler

A medida que los años progresaron hasta la década de 1860, el trabajo de Courbet se involucró en una gran cantidad de retratos, paisajes, bodegones y escenas de caza. Sintió que la tarea del pintor era tomar el mundo como lo encontró y presentarlo directamente, aunque a menudo parece coquetear con una cierta cantidad de simbolismo.

Siempre sociable y ávido de nuevos conocidos, Courbet se hizo amigo del joven Whistler, recién llegado a París. Whistler vino y pintó con él por un tiempo. Courbet creó un poderoso retrato de la amante de Whistler, Jo, mientras se peina su largo cabello rojo.

Aquí la pintura espesa y la gran intimidad de la pose transmiten un fuerte sentido de sexualidad. Los paisajes de Courbet también se volvieron cada vez más monumentales, y es difícil no leerlos como simbólicos de alguna manera.

Su pintura La ola reduce el mar y el cielo a un formato poderosamente simple que sugiere que el tema es simbólico del poder de la naturaleza misma. Utilizando trabajos de pincel y espátula cada vez más abiertos, el artista continuamente llamó la atención sobre la naturaleza física de la pintura. También preparó el camino para los impresionistas, que usarían una superficie de pintura rota para recrear los efectos de la luz.

Política aparte

Insistiendo en su propia independencia como artista, las opiniones políticas de Courbet siempre se mantuvieron libremente. Le gustaba decir que estaba del lado de la gente, un socialista. Pero en un mundo antes de Marx, nunca vio la política en términos de una lucha de clases. Tampoco era reacio a convertirse en un capitalista menor.

Cuando ganó dinero, utilizó parte de él para comprar tierras en su ciudad natal e invirtió en acciones ferroviarias. Además, deseaba mucho el éxito público y gran parte de su correspondencia involucra intrigas para que el trabajo se muestre o compre en el Salón.

Una figura muy pública e incansable promotor personal, era conocido por participar en argumentos volubles y furiosos sobre su trabajo en los diversos cafés y cervecerías donde los artistas se congregaban en París. Estaba encantado cuando sus pinturas de caza comenzaron a disfrutar de una gran aceptación entre la clase alta y los mecenas aristocráticos de las artes.

Al pasar el verano en Trouville de moda en 1865, se jactó en una carta a un amigo: “Estoy pintando a las mujeres más bonitas de Trouville: ya he hecho un retrato de la condesa húngara Karoly, y es un gran éxito. Más de 400 mujeres vinieron a verlo y nueve o diez de las más bellas también quieren que las pinte. ... Estoy ganando una reputación incomparable como retratista ".

Una revolución lo termina

Es curioso que, a pesar del claro deleite del artista en su éxito con la sociedad inteligente, se deshizo de una revolución. En 1871, tras el caos de la Guerra Franco-Prusiana, la mafia de París declaró una comuna y se apoderó del centro de la ciudad.

Courbet se unió con entusiasmo y rápidamente se encargó de asegurar los tesoros artísticos de la ciudad. Aferrado a un fervor revolucionario, aceptó la propuesta de que se desmantelara la columna en la Place Vendôme, una especie de primo lejano de la Columna de Trajano que conmemoraba los triunfos de Napoleón.

Sin embargo, la comuna sobrevivió solo dos meses. Y, cuando el ejército finalmente se hizo cargo después de una sangrienta pelea, Courbet fue encarcelado durante seis meses. Peor aún, el gobierno francés lo responsabilizó por la destrucción de la columna Vendôme. Y en 1873, el gobierno le ordenó pagar los costos de restaurarlo.

Ante la bancarrota y más encarcelamiento, el artista huyó a Suiza. Desde allí llevó a cabo negociaciones con el gobierno francés. Estas conversaciones eventualmente resultaron en un esquema de pago bastante extraño bajo el cual el artista haría pagos mensuales durante los próximos 30 años. Pero Courbet estaba enfermo.

Los años de vida bohemia, consumo excesivo de alcohol y el estrés de la prisión habían cobrado su precio. Murió en Suiza, exiliado y cerca de la bancarrota, en 1877.

Contribuciones del artículo de John Parks

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