Historia del Arte

Objetos de inspiración: aquí está lo que impulsó a Matisse en el estudio

Objetos de inspiración: aquí está lo que impulsó a Matisse en el estudio

Haga un viaje alrededor del mundo con Matisse

Al visitar a Henri Matisse en su estudio en Vence, Francia, en 1944, la periodista Marguette Bouvier señaló que "los tapices congoleños cuelgan de la pared ..." y que el artista había "... traído sus conchas y porcelanas chinas, su moucharaby [pantallas textiles marroquíes] y su mesa de mármol y todos los objetos extraños con los que le encanta rodearse. Así reconstruyó ... esta atmósfera de Matisse que necesita para vivir ".

A lo largo de su carrera, Matisse adquirió una variedad de objetos que servirían de inspiración creativa, como recordatorios de experiencias pasadas y como guías de los lenguajes pictóricos y dispositivos formales de otras culturas. Van desde humildes artículos para el hogar, como una jarra de tabaco, hasta objetos más exóticos como máscaras oceánicas y textiles tahitianos.

Muchos de estos artefactos aparecen varias veces en sus pinturas. Asumen una variedad de roles, casi como un actor de repertorio podría tomar el centro del escenario para una actuación y aparecer como un personaje secundario en la siguiente.

Al igual que los actores, los objetos mutan en su trabajo, sus proporciones y colores se transforman por las nuevas relaciones y entornos en los que se encuentran. Cuando no estaban siendo utilizados como tema, tomaron sus lugares como parte del entorno doméstico en constante cambio que Matisse necesitaba para mantener su mundo imaginativo.

Fuera de Africa

Henri Matisse (1869–1954) inició su carrera como artista en la primera década de 1900, cuando el arte moderno apenas comenzaba a florecer. Inspirados en los experimentos de los posimpresionistas y vivos para nuevas posibilidades de color y ejecución, Matisse y un grupo de pintores, entre ellos Édouard Vuillard y André Derain, exhibieron pinturas en las que el color crudo y antinatural se unió con un manejo directo y contundente de la pintura. En 1905, la prensa los denominó "Fauves" o "Bestias salvajes", y sus carreras estaban en marcha.

Entre las muchas influencias que llevaron a este avance se encontraba la disponibilidad de artefactos de culturas de todo el mundo que habían sido afectados por el colonialismo o hechos accesibles por el comercio cada vez mayor. El arte africano, por ejemplo, apenas comenzaba a llegar a los estudios parisinos. Uno de los primeros artículos que compró Matisse fue una escultura africana, una figura congoleña de Vili, que compró en París en 1906 por la modesta suma de 50 francos.

"Entré y compré un tipo poco sentado sacando la lengua", recordó más tarde. “Fui a Gertrude Stein en la rue de Fleurus y le mostré la estatua. Picasso vino mientras yo le estaba mostrando la estatua. ... Fue entonces cuando Picasso notó la escultura negra.

Matisse estaba fascinado por las cualidades visuales de su nuevo hallazgo: la fuerza de la forma, la simplificación severa y las superficies inacabadas, cualidades que comenzó a incorporar a su propio trabajo. En los siguientes dos años, adquirió más de 20 piezas africanas, incluidas varias máscaras tribales.

Si bien estos objetos rara vez aparecen en sus pinturas, su influencia es evidente en 1906 de Matisse Auto retrato. El trabajo se logra con una mano casi brutalmente directa y una audaz simplificación.

Atracciones moriscas

La siguiente revelación del artista fue su descubrimiento del arte islámico, realizado en gran parte en 1910, cuando Matisse realizó visitas repetidas a una exposición en Munich titulada "Obras maestras del arte mahometano". Esto lo inspiró a hacer un viaje prolongado al sur de España, visitando la Alhambra de Granada y la Gran Mezquita de Córdoba. Fue aquí donde Matisse comenzó a darse cuenta del poder de las superficies estampadas para crear una sensación de espacio, especialmente cuando diferentes patrones se yuxtaponen entre sí.

Uno de los objetos que adquirió fue un jarrón andaluz de vidrio verde, que utilizó en varias pinturas. En Jarrón de flores A partir de 1924, se encuentra en el centro de una escena doméstica, adquiriendo una calidad curiosamente antropomórfica con sus dos manijas que dan una apariencia de manos en las caderas. El fondo se forma con un conjunto de patrones yuxtapuestos y una vista a través de una ventana al mar, todo lo cual parece tener el mismo peso en una composición altamente aplanada.

Matisse se sumergió en la cultura islámica, haciendo visitas a Marruecos en 1912 y 1913, donde contrató modelos y recolectó textiles. Su trabajo comenzó a incorporar el espacio aplanado del arte islámico, con su falta de jerarquías, su deleite en el patrón y su rico color. Esto fue de la mano con el deseo del artista de alejarse del enfoque del arte de Europa occidental en la forma totalmente representada y el espacio de perspectiva.

Además de su lenguaje visual formal, el artista también tomó del mundo islámico una fantasía de vida sensual. Había traído a casa desde Granada una postal del Salón de las Camas, el vestuario ricamente decorado de la casa de baños Alhambra, donde las esposas del rey se desnudaron antes de bañarse.

La década de 1920 lo encontró preparando escenas similares en su estudio, colgando telas y alfombras para proporcionar escenarios para modelos posados ​​sensualmente en trajes aptos para un harén, con ondulantes culottes y blusas transparentes que revelan los senos desnudos. Este tema fue un cliché del orientalismo del siglo XIX, cuando los pintores académicos encontraron un mercado listo para escenas de harén. En lugar de parecer voyeurista, las pinturas de Matisse tratan el tema de manera juguetona, convirtiéndolo en un motivo encantador para colgar aventuras más formales.

El juego de Matisse con su tema es claramente evidente en su pintura de 1940 Interior con un jarrón etrusco. Aquí una modelo descansa entre posturas, mirando hacia arriba desde un libro que está leyendo. Debajo de la mesa se ven los pantalones verdes de harén en los que ha estado vestida para posar.

Importancia del patrón

Uno de los objetos árabes que Matisse adquirió fue un Haití, un gran textil con secciones de trabajo decorativo abierto diseñado para colgar frente a una ventana. Matisse lo usó en varias pinturas incluyendo La pantalla morisca de 1921.

Aquí, a pesar del lujoso ambiente de los textiles y las alfombras islámicas, el artista llena el espacio con dos damas francesas vestidas adecuadamente e incluye una caja de violín y una mesa europea. La sensualidad del mundo islámico ha sido domesticada con seguridad. Pero la representación centrada de la tradición europea también se ha eliminado para que las figuras planas no tengan más importancia que cualquiera de los otros elementos.

"Para mí, el tema de una imagen y su fondo deben tener el mismo valor", escribió Matisse. "O, para decirlo más claramente, no hay una característica principal, solo el patrón es importante".

Aunque Matisse se deleitaba con los artefactos de otras culturas, algunos de sus accesorios favoritos eran objetos domésticos franceses más humildes. Una jarra de peltre con un motivo de rayas retorcidas y un asa decorativa aparece en su trabajo durante varias décadas.

En 1917 aparece en una naturaleza muerta bastante tranquila y sólida. Pero en 1937, desempeña un papel literalmente fundamental en una serie de pinturas, incluida la notable Toga púrpura y anémonas. Aquí, toda la composición parece girar alrededor de la jarra, que se alza sobre una mesa marroquí, otro accesorio favorito del artista.

Un ramo de anémonas estalla y se extiende desde la jarra para equilibrar la promesa sensual de la joven mientras sonríe al artista. Los patrones que llenan el resto de la superficie se empujan unos contra otros en un acto de equilibrio vivo y precario.

La sensibilidad de Matisse al patrón fue continuamente alimentada por su creciente colección de textiles y alfombras. Estos incluían tela de corteza de Tahití, textiles Kuba del Congo, tapices islámicos y una variedad de alfombras orientales.

Una de sus mejores pinturas, Interior con cortina egipcia, utiliza una cortina de carpa egipcia, una gran pieza de tela tejida cubierta con un diseño de aplicación audaz. En la pintura, la cortina de la tienda cuelga a la derecha de una ventana con vistas a una estilizada palmera. Una mesa en primer plano sostiene un tazón de limones.

La pintura logra un sentido dinámico de equilibrio a medida que la energía en expansión del árbol se lanza contra las formas más restringidas del patrón de la cortina, mientras que los limones proporcionan un contrapunto suave en la parte inferior de la pintura.

Reducción de objetos a signos

Gran parte de la evidencia en el trabajo de Matisse es el manejo caligráfico de la línea, una característica que jugaría un papel ampliado con los años. Al final de su carrera, Matisse realizó una enorme cantidad de dibujos con pincel donde exploró la idea de reducir los objetos a signos que pudieran organizarse en composiciones.

Para encontrar el signo apropiado para un objeto, Matisse lo dibujó en numerosas ocasiones, internalizándolo hasta que realmente entendió lo que era para él. Su enfoque caligráfico estuvo muy influenciado por el arte chino.

Poseía un gran panel de socorro chino de cuatro caracteres ejecutados en un estilo audaz y enérgico. Y, a menudo citaba lo que dijo que era un viejo proverbio chino: "Cuando dibujas un árbol, debes sentirte crecer gradualmente con él".

Para Matisse, dibujar un objeto no era un proceso de imitación de su apariencia superficial, sino un acto de empatía suprema. Su pincel de dibujo Acróbata, de 1952, muestra la simplificación extrema a la que llegó al reducir los objetos al estado de un signo.

Este enfoque le permitió hacer su gran trabajo tardío en forma de recortes de papel, en el que "dibujó" con unas tijeras mientras cortaba grandes hojas de papel pintadas con gouache. "El recorte", dijo en una entrevista de 1952, "es lo que ahora he encontrado la forma más simple y directa de expresarme".

Continuó: “Uno debe estudiar un objeto mucho tiempo para saber cuál es su signo. Sin embargo, en una composición, el objeto se convierte en un nuevo signo que ayuda a mantener la fuerza del todo. En una palabra, cada obra de arte es una colección de signos inventados durante la ejecución de la imagen para satisfacer las necesidades de su posición. Tomados de la composición para la que fueron creados, estos signos no tienen más uso ".

El uso del letrero de Matisse alcanzó su cenit en su trabajo para la Capilla del Rosario en Vence, en el que sus dibujos de pinceles claramente aclarados aparecen en paredes de azulejos blancos, iluminados por colores de los diseños casi abstractos de las vidrieras. El artista incluso diseñó vestimentas para el sacerdote en las que las versiones de símbolos cristianos aparecen como signos.

Matisse había llegado a un arte relevado de todos sus deberes descriptivos, proyectando en cambio una especie de resonancia espiritual en un entorno completo. El logro no hubiera sido posible sin la absorción del artista en los productos de muchas culturas y su insistencia en dibujarlos y pintarlos hasta que los poseyera por completo.

"Las cosas que se adquieren conscientemente nos permiten expresarnos inconscientemente con una cierta riqueza", escribió. De hecho, una de las revelaciones más llamativas de la exposición fue cuán ordinario, incluso aburrido, parecían muchos de los objetos en comparación con su aparición en las pinturas del artista, donde se sienten vitales, vibrantes y necesarios. En la magia de esta transformación, sentimos todo el misterio y la grandeza del arte de Matisse.

Una versión de este artículo, escrita por John A. Parks, fue publicada en Revista de artistas. Suscríbase hoy

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