Dibujo

La evolución del dibujo de figuras: los mejores consejos y trucos a lo largo de la historia

La evolución del dibujo de figuras: los mejores consejos y trucos a lo largo de la historia


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Métodos de dibujo de figuras de los maestros

Ha habido un gran resurgimiento del interés en la práctica del dibujo de figuras académicas, acompañado de mucho debate sobre la mejor manera de dibujar la figura de una manera "clásica". Aunque puede parecer imposible agregar algo nuevo en este campo, el artista Robert Zeller a continuación comparte un enfoque que puede considerarse una evolución de los métodos y escuelas de dibujo de figuras existentes, en lugar de algo radicalmente nuevo.

Este enfoque combina tres métodos de dibujo de figuras adoptados por importantes escuelas de pensamiento a lo largo de los siglos. ¡Disfrutar!

1. Disegno

Disegno es la palabra italiana para dibujar. Pero en el contexto del Renacimiento, su significado es multifacético. Abarca no solo la línea, sino también la forma, la composición y, lo más importante para nosotros, el gesto.

El gesto se refiere a la forma en que el ritmo y el movimiento fluyen a través de una sola figura. El gesto no solo agrega vida a un dibujo, sino que puede ayudar a unir múltiples figuras en una composición. Este es un enfoque conceptual, dado que nadie camina con líneas de ritmo visibles que fluyen a través de su cuerpo.

La filosofía de disegno implica integrar la figura en el espacio a su alrededor de una manera creíble.

2. El método académico

El método de dibujo de figuras enseñado en los talleres modernos se basa en metodologías formuladas por la École des Beaux-Arts, la principal academia francesa en el siglo XIX. El concepto central de "entrenar el ojo del artista" se deriva de cursos de dibujo como los diseñados por Charles Bargue (ca 1826-1883) y Bernard Romain Julien (1802-1871).

Las escuelas en esta tradición se esfuerzan por enseñar a los artistas a representar la naturaleza fielmente. No todos usan exactamente los mismos métodos, pero generalmente tienen dos puntos en común: un énfasis en la luz y la sombra, y un enfoque en la conversión de figuras tridimensionales en formas planas y bidimensionales. Ambas áreas de énfasis emulan la naturaleza con la mayor precisión posible.

Fui entrenado en el sistema Water Street Atelier. Este enfoque comienza bloqueando el uso de líneas rectas, estableciendo proporciones y moviéndose de lo general a lo específico al crear formas y subformularios. Cada pase posterior trae información más detallada, todo basado en el punto de división entre luz y sombra, llamado terminador.

El método culmina en una conceptualización bastante sofisticada de la forma de la superficie, una que no se basa en la percepción sino en una comprensión de la relación entre la forma de la superficie y la fuente de luz. El resultado puede transmitir una hermosa ilusión 3D.

3. El enfoque anatómico-estructural

Si vas a dibujar bien la figura, entonces debes conocer la anatomía. Para que la anatomía tenga sentido, desea aprender la arquitectura interior y la geometría de la figura. El mejor enfoque que he encontrado es el enfoque anatómico-estructural. Aunque así es como lo llamo, tiene varios otros nombres, incluidos arquitectónicos y estereográficos.

Este método tiene una larga historia, que se remonta hasta Albrecht Dürer y Luca Cambiaso. Aprendí este enfoque del escultor Sabin Howard, quien a su vez lo aprendió del escultor y anatomista Walter Erlebacher.

La premisa es simple. En lugar de memorizar largas listas de músculos y huesos, divida la figura en formas geométricas. Los bloques y cubos rectangulares suelen ser los más útiles, pero también hay conos, cilindros, óvalos y esferas.

Intenta concebir el cuerpo como si estuviera hecho de estas formas. Esto proporciona contexto y función para la anatomía relevante, lo que hace que sea más fácil y más práctico de recordar. Los artistas también construyen una figura conceptual en su mente y comparan el modelo real con ese modelo conceptual ideal.

Dibuja tu propio camino

La forma en que combine estos tres métodos de dibujo de figuras en su propia práctica será tan personal para usted como lo es para mí, adaptado a sus fortalezas y debilidades específicas. Enseñé dibujo de figuras desde 2009, cuando fundé los Teaching Studios of Art. Mis motivaciones para crear esta síntesis fueron prácticas, nacidas de una necesidad real de simplificar el proceso para mis alumnos.

Espero que sigas adelante y crees tu propia variación, contribuyendo con tu enfoque y visión personal a esta tradición siempre cambiante.

Una versión de esta historia, escrita por Robert Zeller, apareció en Revista de artistas. Para recibir la revista, haga clic aquí para suscribirse.


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