Dibujo

Memorias de un dibujante

Memorias de un dibujante

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Por John A. Parks

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Fui entrenado en el sistema de escuela de arte en inglés a partir de fines de la década de 1960, cuando podías comenzar a los 16 años. Se me exigió que pasara grandes cantidades de tiempo dibujando. No era un gran dibujante al principio, después de haber entrado en el campo con la vaga idea de convertirme en diseñador industrial o de producto. No tenía antecedentes particulares en el arte. Pero pronto las innumerables horas de mirar objetos simples, haciendo dibujos a lápiz oscuros y peludos de plumas, tazas, modelos desnudos y vistas de los desiertos del estacionamiento de la escuela, comenzaron a actuar como la droga más benigna. Mirar detenidamente el mundo que me rodea resultó ser una mente abierta de una manera que ninguno de los alucinógenos que circulaban nunca podría esperar.

A medida que mis maestros, que eran amigables, en su mayor parte, me obligaron a mirar ángulos, proporciones, formas y contornos, el mundo comenzó a adquirir una apariencia infinitamente más compleja. Me presionaron para examinar las relaciones tonales a través del dibujo al carbón, y de repente todo lo que veía estaba lleno de los cambios tonales más sutiles. Contemplar la caída de luz en una pared en blanco ahora era fascinante. El mundo del color, que hasta ahora había considerado solo una pequeña paleta de colores primarios, se expandió en una amplia gama de tonos cambiantes que se hablaban entre sí de maneras inesperadas. Cada vez que abría los ojos, me sumergía en un universo lleno de riquezas. Para mí, la experiencia de aprender a dibujar y pintar fue una percepción más amplia y profunda, una nueva emoción por estar vivo y en el mundo.

Habilidades en expansión

Además de ver mejor las habilidades físicas, el entrenamiento de todos los músculos motores necesarios para negociar el toque y el swing de los implementos de dibujo y pintura. Después de meses de dolor y lucha, hubo momentos crecientes de placer al negociar pasajes de dibujo, para lograr un mejor toque y una superficie más interesante.

Como jóvenes estudiantes discutimos sobre qué cualidades en el dibujo eran deseables, y gradualmente nuestros maestros nos introdujeron a reproducciones de dibujos maestros: Raphael, del Sarto, Rembrandt y Rubens, así como a varios modernos. Era fácil ver por qué se admiraba un dibujo de Miguel Ángel, pero ¿qué pasa con esos dibujos sueltos y rápidos de Matisse? ¿Y qué hay de bueno en los frenéticos carbones de De Kooning? Hicimos una excursión al museo para ver más. Por lo tanto, el dibujo se convirtió en un camino hacia la historia del arte, no en el sentido seco de categorizar y memorizar períodos, épocas, estilos y fechas, sino como una forma de comprender lo que el dibujo y la pintura podrían hacer, qué tipo de cosas podríamos ser capaces eventualmente los jóvenes estudiantes. de.

A mis maestros, muy influenciados por la Bauhaus, les gustaba organizar proyectos de dibujo en tres etapas. Primero vino el dibujo "objetivo", en el que el estudiante tenía que mirar lo más de cerca posible el tema y examinarlo desapasionadamente. Esto fue seguido por un dibujo "analítico", en el que se suponía que debíamos transmitir información sobre propiedades específicas del objeto. El tercero fue el dibujo "sintético", en el que se suponía que debíamos reensamblar una noción del objeto según nuestro análisis. Por lo tanto, un proyecto sobre "flujo" podría comenzar con una cuidadosa extracción objetiva del agua que fluye a través de un sumidero, en la que la apariencia se registró con la mayor fidelidad posible. La etapa analítica podría ser una versión más esquemática con flechas y notas incluidas para mostrar la dirección de varios movimientos y remolinos. La versión sintética podría ser una versión simplificada de un movimiento arquetípico que se extrae de los dibujos anteriores.

Este proceso tuvo aplicaciones para desarrollar diseños y pinturas abstractas, pero también nos hizo conscientes de que un objeto se puede ver y comprender de muchas maneras diferentes. Surgió la extraña y emocionante posibilidad de que el objeto en realidad no existiera en ningún sentido absoluto, sino que solo asumió su forma particular en relación con nosotros y las formas en que elegimos mirarlo. Nunca habíamos leído a Descartes o Husserl, pero nos encontramos inmersos en preguntas fundamentales sobre nuestra relación con el mundo de una manera activa y, a menudo, muy divertida. ¡Cosas embriagadoras para estudiantes de arte adolescentes!

Dibujar medios para adaptarse a la ocasión

Dibujar ha seguido siendo uno de los pilares de mi práctica desde entonces, un medio para explorar ideas, conectarme con el mundo y acceder al puro placer de mirar. Dibujo en la mayoría de los medios tradicionales: carbón, lápiz, pluma y tinta y pincel y acuarela. La elección cambia con los años y el proyecto. Si me abro paso en una pintura grande, por ejemplo, podría dibujar en carbón, lo que permite una gran masa, texturas sugerentes y una aplicación rápida. Es un placer polvoriento, con un amplio espacio para luchar contra el papel blanco con el borrador o realizar transiciones tonales con un tocón.

En mis cuadernos de dibujo dibujo en gran medida con pluma y tinta. Si estoy en el estudio, uso un lápiz de inmersión y una variedad de plumillas, principalmente de los sets de Speedball. Siempre hay una emoción básica con la pluma y la tinta por la sencilla razón de que no hay vuelta atrás. Cada línea se va a quedar, y esto enfoca la mente maravillosamente. Las puntas de acero flexibles brindan grosores y delgados gloriosos y permiten una línea elegante si puede manejarlo. De vez en cuando hago un dibujo con una pluma de ganso y todavía me siento emocionado de darle un aspecto de "Viejo maestro" a la pieza. Recojo plumas de ganso cerca del estanque colina arriba de mi estudio y las guardo para su uso. Un año corté una gran cantidad de cañas, inspiradas en los dibujos con pluma de Van Gogh. Probé la técnica pero nunca pude obtener el "dar" en la línea que parecía manejar. Debe haber usado una especie diferente.

De vez en cuando dibujo en Conté, pero no soy fanático de los rotuladores mecánicos y menos aún de los marcadores de ningún tipo; en general, parecen ruidosos e insensibles. Si estoy fuera de casa con mi cuaderno de bocetos, uso una pluma estilográfica. Prefiero la Rotring Art Pen, pero también tengo varias plumas estilográficas antiguas que compré en eBay. Generalmente uso una tinta sepia, y esto combina felizmente con un lavado de acuarela sepia si quiero bloquear los tonos e incluso funciona bien con una acuarela completa.

Los muchos usos del cuaderno de bocetos

En los últimos años mis cuadernos de bocetos se han dedicado a tres temas básicos. El primero comprende estudios de dibujos y pinturas maestras, cosas que he hecho para familiarizarme con obras que he admirado. Una cosa es mirar un Poussin, pero otra muy distinta es dibujar las figuras y entrar en la empresa de la narración precisa y la construcción clásica.

Para una serie reciente de fotos de las multitudes de Nueva York, hice bastantes estudios después de Pieter Bruegel el Viejo, así como versiones de escenas de Londres de William Hogarth y Thomas Rowlandson. Quería entender cómo estos grandes artistas lograron grandes números de figuras y acciones orquestadas. También me intrigó descubrir cómo agregaron drama a través del gesto, la exageración y la caricatura. Mientras consideraba pintar una vista del estanque de navegación del Parque Central, pensé que sería divertido citar algunas pinturas marinas holandesas e inglesas, y también lo hicieron los estudios de cuaderno de bocetos de William van de Velde y J.M.W. Tornero.

Mi segundo tema del cuaderno de dibujo ha sido la colección de figuras para mis pinturas de los últimos años. Algunos de estos se hacen desde la vida, pero muchos más se basan en mis fotografías y videos. Después de congelar una figura en el momento justo para el drama que estoy buscando, puedo dibujar, exagerar y distorsionar hasta obtener la imagen que necesito. Hay un continuo entre fotografiar y dibujar en la calle y luego explorar las imágenes a través de otros bocetos en el estudio.

Por último, creo bocetos generales de casi todo lo que me llama la atención: un par de botas tiradas en el suelo, una escena en una zona comercial del aeropuerto, una tarde dorada en un parque inglés. La calidad de estas cosas es necesariamente variada, con el tiempo disponible y la oportunidad. Siempre he sido pobre en disfrazar mi actividad con la gente, y a menudo me retumba a mitad de camino al dibujar a alguien y así lo pierdo.

Dibujos terminados

Fuera de mis cuadernos de bocetos, recientemente he estado dibujando con el pincel en el estudio en preparación para una nueva serie de pinturas. Con una gouache monocromática sobre papel de acuarela obtengo un aspecto suave y bastante romántico que es perfecto para el tema del jardín que estoy explorando. Estoy tratando de tener una sensación mucho más tranquila que mis pinturas recientes de la ciudad de Nueva York, así que estoy construyendo estos dibujos con miles de pequeñas marcas de pincel y manteniendo un cierto tipo de moderación. Supongo que dado que estoy usando tanto el lavado como la línea, los dibujos están a medio camino de ser acuarelas, pero muchos grandes artistas habitualmente han dibujado con el pincel, el más famoso Goya.

Estos nuevos dibujos son bastante complicados y tardan dos o tres días en completarse. Comienzo sin una línea de lápiz, comenzando con unos pocos toques muy ligeros de gouache para establecer las proporciones principales. Estoy trabajando en una fotografía que reuní hace varios años en Inglaterra, y a menudo estoy uniendo varios cuadros a la vez, por lo que solo tengo una vista fracturada de mi sujeto. Me intriga construir el dibujo mientras trabajo y permitir que entren en el proceso anomalías de espacio y proporción. Estoy obteniendo una sensación suavemente flexible del espacio que nunca podría suceder si cortara exactamente a una representación mecánica. A menudo me sorprende ver surgir varios tipos de matices, atmósferas y sentimientos y comenzar a habitar la imagen, convocada por partes de mí sobre las cuales no tengo control. El mundo comienza a cobrar vida de una manera nueva e intrigante, y esto me estimula a la siguiente pieza.

Estoy a punto de comenzar a trabajar en aceites en esta línea y estoy emocionado de que mi próximo show se vea muy diferente al anterior. Siempre he sido reacio a hacer el mismo trabajo este año que el año pasado. Hacer arte debería ser una emoción, un acto de investigación y descubrimiento, un paso hacia lo desconocido. Por supuesto, esta es una visión que implicará fallas, pasos en falso y vergüenzas. Pero si no corre el riesgo de fracasar, nunca podrá estar realmente vivo, y seguramente hacer arte es una de las mejores formas de estar vivo que existe.

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John A. Parks es un artista representado por 532 Gallery Thomas Jaeckel, en la ciudad de Nueva York. También es profesor en la Escuela de Artes Visuales, en la ciudad de Nueva York, y colaborador frecuente de Dibujo, así como el autor del libro Principios Universales de Arte. Vea su trabajo en johnaparks.com.


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