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Dibujo

Todo sobre la naturaleza muerta

Todo sobre la naturaleza muerta

Pintura de bodegones

El género de la pintura de bodegones es tan diverso como su larga historia. Desde los tiempos de los egipcios, cuando se representaban pinturas de alimentos y objetos de valor en las paredes de las tumbas hasta los mosaicos del piso y las pinturas murales de Pompeya, hasta las obras de arte del Alto Renacimiento hasta la pintura contemporánea de bodegones de hoy, el género siempre ha sido uno al que los artistas recurren una y otra vez.

Los objetos hacia los que los pintores de bodegones gravitan también son tan variados, desde elementos del mundo natural hasta aquellos creados por manos humanas. A través de ellos, las composiciones de arte de bodegones articulan ideas sobre el lujo y el exceso, el simbolismo religioso, las exploraciones personales y alegóricas, y las reflexiones humanas universales sobre la vida y la muerte.

La práctica de las bellas artes de la naturaleza muerta es una con la que los artistas se han comprometido a lo largo de los siglos porque todos los elementos esenciales del arte se pueden explorar, incluidos el color, la forma, la composición y la luz. Los artistas pueden buscar en este género único las respuestas que los pintores siempre están tratando de encontrar.

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Demostración de pintura al óleo de naturaleza muerta

Ismael Checo utiliza colores intensos para crear una experiencia exótica e intensa del mundo. Aquí, presentamos una demostración en línea exclusiva de pintura de bodegones como un ejemplo de su técnica de pintura al óleo.

Materiales de Checo

Paleta

Pinturas al óleo de varios fabricantes, incluidos Holbein, Winsor Newton y Gamblin

Pinceles

Cepillos de cerdas y sables de varios fabricantes.

Apoyo

Principalmente lino imprimado con plomo y ocasionalmente un panel de tablero de MDF imprimado con yeso acrílico de Liquitex

Medio

Una mezcla de aceite de soporte y aguarrás

Barniz

Como barniz final, el barniz sintético Rembrandt de Talens

Paso 1
El artista comienza dibujando con un lavado de azul ultramar, siena quemada y blanco escama. Las sombras se lavan para crear una representación en grisaille simple del sujeto concentrado en las formas más simples y claras.
Paso 2
Con un pincel de cerdas, el artista aplica el color a grandes rasgos para establecer las principales relaciones en la composición.
Paso 3
Trabajando lentamente y prestando gran atención a la impresión de color en cada punto de la imagen, el artista hace declaraciones simples y claras mezclando y colocando un color a la vez. El artista se inclina a exagerar ligeramente la saturación del color con el entendimiento de que podrá volver más tarde y agregar gris si es necesario. Aunque el artista mezcla y se revuelve con el pincel, tiene cuidado de no sobrecargar la imagen.
Paso 4
En algunos casos, el artista cambiará a un pincel sable hacia el final de la pintura para lograr un trabajo terminado más delicado y altamente renderizado.La pintura completada: Demostración de naturaleza muerta2003, 10 x 15½. Colección del artista.

Estableciendo el estándar de arte de naturaleza muerta

La pintura holandesa de bodegones estableció el estándar para el virtuosismo fuera de este mundo en el 17th siglo, y nunca superaré la mezcla inusual de objetos que estos artistas decidieron representar: alimentos de todo tipo, cubiertos de plata pulidos y vidrios relucientes, manteles bordados y muy trabajados, y toneladas y toneladas de flores.

Lo que a veces olvido es cuán simbólicos eran todos estos objetos para el público que tuvo la ocasión de verlos hace tantos años. Y también es interesante observar que los artistas a menudo decidieron representar elementos que podrían ser un desafío para pintar como una forma de mostrar sus habilidades de pintura.

Todo este simbolismo y deseo de presumir dio como resultado una gran cantidad de pinturas que se ven exageradas y un poco irreales. Tome la pintura floral de naturaleza muerta, por ejemplo. Pintar flores fue un foco popular durante la época dorada de la pintura holandesa. Simbólicamente, los artistas y espectadores estaban interesados ​​en la naturaleza de la existencia de una flor, desde recién cortada y floreciendo hasta marchitarse y morir, debido a la lección "moral" implícita detrás del trabajo, a saber, que la vida es fugaz y la muerte, una certeza.

Pero las flores frescas en una pintura también eran un signo de lujo supremo. Durante el 17th siglo, tener un ramo de flores era prácticamente desconocido incluso en los hogares más ricos. De hecho, en la mayoría de los hogares holandeses, las flores no se mostraban en la forma en que estamos acostumbrados. En cambio, las flores se mostraban una por una en pequeños jarrones o porta tulipanes diseñados específicamente para contener relativamente pocas flores.

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Al crear este tipo de pintura floral ostentosa que representaba increíbles ramos de flores que la mayoría de los espectadores nunca podrían esperar ver en persona o en sus hogares, los artistas lograron dos cosas: una, señalando el artificio de tales exhibiciones como un recordatorio de que la vida no se trata solo de lujo y poner tienda en esas cosas es un desperdicio. Pero también estaban subvirtiendo ese mismo mensaje: al mostrar tan hermosos ramos de flores en primer lugar, estaban tentando a los espectadores a comprar la pintura, transmitiendo esencialmente la idea de que no se pueden tener esos lujos en la vida real, pero esta pintura les dará para ti y las flores en esta pintura nunca morirán.

Para nosotros, seguir adelante con la tradición de la pintura holandesa y ser parte de este atractivo y fascinante género de vida stii significa realmente comprender la motivación para el arte y la ejecución técnica que se necesitó para llegar a esas increíbles obras finales y trabajar hacia la pintura. Fundación necesitamos tener nuestras propias edades artísticas de oro.

Puntos focales al pintar bodegones

Decidir dónde colocar los elementos en una pintura puede ser difícil, pero las decisiones son cruciales para crear una naturaleza muerta exitosa. Cuando una composición está bien hecha, puede pasar desapercibida; sin embargo, una pieza mal compuesta al instante llama la atención del espectador como incómoda. El objetivo de una composición de naturaleza muerta es dirigir el ojo del espectador a través de una pintura y guiarlo hacia lo que el artista considera importante. Aunque no existe una única forma correcta de hacer esto, existen dispositivos específicos que uno puede emplear para atraer la atención del espectador hacia un punto de interés, así como para crear la ilusión de objetos existentes en un espacio tangible.

Muchos pintores principiantes tienden a dedicar su energía a dibujar y pintar objetos con precisión, y les resulta difícil crear una composición fuerte. "Es fácil sentirse abrumado por todas las posibilidades", dice el artista-instructor James Sulkowski, quien enseña talleres al aire libre para ayudar a los estudiantes a superar el miedo a la toma de decisiones. Algunos artistas-instructores sugieren usar un visor, que muchos artistas emplean cuando se enfrentan a una escena grande. Uno puede comprar un visor en cualquier tienda de suministros de arte, o hacer uno simple con cartón. Independientemente del material, tiene el mismo propósito: un visor permite a un artista aislar los elementos clave de una escena, así como ver múltiples composiciones antes de comprometer una en papel.

Cuando te enfrentas a una escena grande, es útil hacer varias preguntas. ¿Por qué quiero pintar esta escena? ¿Qué me atrajo inicialmente? ¿Qué contenido se necesita para atraer al espectador y hacer que sienta lo que yo siento? A medida que se responden estas preguntas, queda claro que una escena determinada no está grabada en piedra. Un artista puede alterar la escena para adaptarla a las emociones o al mensaje que busca compartir con el espectador. Un retrato de naturaleza muerta está destinado a despertar la imaginación y excitar los sentidos; debería ser una imagen que está pidiendo ser pintada o dibujada. Si una determinada área o imagen no es atractiva, cambie de ubicación o elija temas alternativos. O bien, se podría recortar una escena con fuerza y ​​centrarse en detalles minuciosos que a menudo pasan desapercibidos en una escena grande.

Sulkowski recomienda que los estudiantes determinen el punto focal antes de aplicar el pincel al lienzo. “No importa cuáles sean las circunstancias, un artista necesita identificar el punto focal de su pintura y luego estructurar el proceso de pintura para que el espectador entienda de inmediato el centro de interés. Cuando se pinta al aire libre, es muy importante tener ese enfoque en mente para que no se desperdicie tiempo y energía en la elaboración de áreas del lienzo que son de importancia secundaria ". Lo mismo también se aplica al pintar una naturaleza muerta.

La artista-instructora de Nashville, Gayle Levée, hace que los estudiantes de su taller pasen horas organizando elementos para crear la mejor composición. Ella aconseja que inicialmente junten más objetos de los que creen que necesitarán en sus obras de arte de naturaleza muerta, y luego elijan uno como punto focal. "Coloque ese objeto primero, y luego coloque las piezas de soporte a su alrededor", sugiere. Al pintar una naturaleza muerta, Levée comienza con el punto focal y realiza mediciones en el lienzo proporcional al centro de interés.

En su pintura Reflexiones en oro, Levée emplea la regla de los tercios para atraer la atención del espectador hacia el jarrón y la fruta (ver una demostración de la pieza). Este es uno de varios dispositivos que pueden atraer la atención del espectador hacia un centro de interés. Esta regla, empleada en pintura y fotografía, está destinada a producir una composición más estéticamente agradable. Aconseja que los artistas dividan un lienzo en tres secciones, tanto horizontal como verticalmente, y coloquen el centro de interés en un punto de intersección, o en el tercio superior o inferior del marco. Al hacerlo, el punto focal se saca del "punto muerto" del lienzo, y el ojo del espectador se dirige a todo el espacio. Una vez que se establece un punto focal, determinar las emociones o el mensaje que evoca le ayudará a uno a decidir cuál de las herramientas mencionadas contará de manera más efectiva una historia visual clara y sugerente.

Verdadera quietud en una naturaleza muerta

Sarah Siltala pinta principalmente bodegones y paisajes, aunque ocasionalmente dibuja figuras en carbón para perfeccionar sus habilidades de dibujo. "Me inspira la naturaleza y sus abundantes regalos, ya sea una fruta, una flor, una nube, un árbol o un pájaro", dice ella. "Ver belleza en todas partes me inspira a pintar". Esto no es sorprendente dado que el artista creció rodeado por el pintoresco paisaje de Nuevo México, que ha atraído a artistas de todo el mundo durante décadas. A veces, la inspiración la golpea al instante, y otras veces tiene que reflexionar sobre un tema antes de que se mueva a pintarlo.

Siltala a menudo recurre a su cuaderno de bocetos en el que guarda varios dibujos, ideas e imágenes que la inspiran mientras se prepara para pintar. Ella pasa una cantidad considerable de tiempo determinando la composición de sus pinturas de bodegones, buscando crear una sensación de calma y tranquilidad en su trabajo. "No me atraen las composiciones ocupadas", dice ella. “En cambio, me concentro en una o dos ideas principales. Al configurar mis bodegones, reorganizo y generalmente borro objetos para asegurarme de captar la luz y la sombra óptimas en la pintura final ”. Cuando está satisfecha con su arreglo de naturaleza muerta, toma varias fotos de su configuración final para referencia en el estudio. A menudo trabaja en más de una pintura a la vez, por lo que no es factible configurar cada naturaleza muerta durante todo el proceso de pintura.

Después de cortar y dimensionar su panel de madera, aplica yeso y luego dibuja su composición en carbón. Ella comienza a pintar con lavados ligeros, lentamente construyendo color. Si vieras una demostración de bodegones de Siltala, la verías trabajando al estilo de los Viejos Maestros, construyendo capa tras capa de esmaltes transparentes. Ella cita a Corot, Rembrandt e Inness como sus inspiraciones. Independientemente del tamaño de su superficie, las piezas de Siltala tardan semanas en completarse, ya que cada capa debe secarse completamente antes de poder aplicar la siguiente, a pesar de que usa un medio alquídico para acelerar el proceso de secado.

"A menudo juego con cada capa mientras la coloco, presionando esponjas, tela arrugada o envoltura de plástico y levantando parte del esmalte húmedo para revelar la capa anterior", señala el artista. "Después de jugar con varias capas de esta manera, resulta un campo de color impresionista, con manchas de capas de color individuales que se muestran". Siltala considera que esta etapa de construcción de capas es meditativa, ya que requiere que trabaje tranquila y lentamente, confiando en la paciencia a medida que se seca cada capa de pintura. "Es un equilibrio muy agradable para mi estilo de vida agitado de criar a dos niños pequeños", dice ella. “La vida se mueve muy rápido, y creo en tomar tiempo para alimentar el espíritu. Siempre me emociona cuando los clientes reconocen un sentimiento de paz en mis pinturas, porque estoy capturando lo que realmente busco expresar en mi trabajo: un momento tranquilo de paz, belleza y simplicidad en un mundo a menudo caótico ".


Ver el vídeo: Sobre Naturaleza Muerta (Enero 2021).